MD Art Guide

На картине девушка в лёгком платье замерла в утренней растяжке у распахнутого окна. Солнце заливает комнату, занавеска колышется от ветра, на подоконнике цветок в горшке тянется к свету. Эту картину видел буквально каждый, кто учился в советской школе. «Утро» Татьяны Яблонской печатали в учебниках литературы, по ней писали сочинения, её репродукции вырезали и вешали на стену. Считается, что это самая солнечная, самая счастливая картина эпохи. А вот жизнь женщины, которая её написала, солнечной была далеко не всегда. Рассказываю историю жизни художницы. Яблонская написала «Утро» в 1954 году, и моделью для девушки послужила не случайная натурщица, а её собственная дочь Елена. Именно Лена делает зарядку на том самом полотне: тянется вверх, ловит первые лучи, встречает день с той лёгкостью, которой самой художнице в жизни доставалось не так уж много. Спустя годы дочь расскажет журналистам о человеке за этой картиной куда более сложную историю, чем безмятежный свет на холсте. Любопытно и то

Представьте огромное полотно размером 3 на 6 метров, где Сталин стоит почти вплотную к Достоевскому, а рядом с ним, всего в паре сантиметров холста, теснятся Гитлер, Ленин и не далеко от них Николай II. Такую картину написал Илья Глазунов в 1977 году, и называлась она «Мистерия XX века». Показать её публике удалось всего один день. Этот вариант картины можно увидеть только на фотографии 1977 года, представленной ниже. Глазунов к тому моменту уже был знаменит. Он писал портреты иностранных дипломатов, оформлял книги, вёл мастерскую студентов, дружил с влиятельными людьми в министерстве культуры. Но одновременно он собирал вокруг себя неоднозначную репутацию человека, который слишком открыто говорил о православии, о русской истории до революции, о трагедии царской семьи в те годы, когда об этом полагалось молчать. Именно поэтому огромное полотно с таким составом персонажей стало не просто картиной, а глубоким внутренним размышлением художника и миной замедленного действия. Стоит сказать

Помните это ощущение, как держать хрупкий бумажный квадратик-марку и аккуратно укладывать его в прозрачный кармашек кляссера, чтобы не помять зубчики? Наверняка вы коллекционировали такие марки, обменивались ими во дворе, сортировали по темам, хвастались перед друзьями редкой серией. И почти наверняка не понимали, что собираете не просто марки, а настоящий курс истории искусства без единого урока и без слова «жанровая живопись». И, конечно, вы наверняка видели марки с картинами. СССР был одной из самых художественно-филателистических держав мира. С середины 1940-х и до самого распада страны Минсвязи регулярно выпускало серии марок с репродукциями картин из главных музеев - Третьяковки, Русского музея, Эрмитажа. Марка стоила копейки, тираж исчислялся миллионами, и в итоге репродукция мирового шедевра попадала не в альбом искусствоведа, а в руки восьмилетнего мальчика из Кемерово или Полтавы. Первая по-настоящему масштабная серия появилась в 1956 году к столетию Третьяковской галереи. Н

В 1924 году русская художница Зинаида Серебрякова уехала из Советской России в Париж на заработки. Она хотела поправить отчаянное материальное положение семьи. Планировала вернуться через несколько месяцев. Дома, в России, остались её четверо детей и пожилая мать. Серебрякова не увидит двоих из своих детей 36 лет. Мать она не увидит больше никогда. Эта поездка «на три месяца» растянулась на всю оставшуюся жизнь. Сегодня рассказываю трагедию семьи Зинаиды Серебряковой. Зинаида Серебрякова родилась в 1884 году в знаменитой художественной семье. Её дед был известным архитектором, отец - скульптором, дядя - художником Александром Бенуа, одной из главных фигур русского искусства. Девочка росла среди искусства и впитала его с детства. Она рано вышла замуж по большой любви, но за своего двоюродного брата Бориса Серебрякова, инженера. Брак был счастливым, у них родились четверо детей: двое сыновей и две дочери. Семья жила в родовом имении Нескучное под Харьковом. Именно там, в счастливые пред

Представьте: вы - художник середины XIX века, годами учились писать портреты, ваш хлеб - заказы от тех, кто хочет иметь своё изображение. И вдруг появляется аппарат, который делает то же самое за минуту, точнее вас и почти бесплатно. Фотография. Для художников это была катастрофа. Многие были уверены, что профессия мертва, живопись больше не нужна, машина победила человека. Один известный художник того времени в отчаянии заявил, что отныне живопись мертва. А произошло ровно обратное. Именно фотография, которая должна была убить живопись, заставила её родиться заново и подарила нам импрессионизм, одно из самых любимых направлений в искусстве. Сегодня рассказываю, как это случилось. Чтобы понять масштаб паники, надо понять, чем жил средний художник до середины XIX века. Главным хлебом был портрет. Если человек хотел сохранить своё лицо для потомков, увековечить семью, оставить изображение умершего родственника - был только один способ: сделать заказ художнику. Других вариантов не существ

Помните песню «Миллион алых роз»? Она про художника, который продал всё и купил возлюбленной море цветов. Многие думают, что это просто красивая выдумка поэта. Но у этой песни есть реальный прототип. Грузинский художник Нико Пиросмани завалил цветами целую улицу ради любимой женщины. Его жизнь была печальнее любой песни. Давайте узнаем подробности этой романтичной истории. Нико Пиросмани (полное имя Николай Пиросманашвили) родился около 1862 года в грузинском селе Мирзаани, в бедной крестьянской семье. Рано остался сиротой. Не получил никакого образования. Он перепробовал много занятий: служил у богатых людей, работал кондуктором на железной дороге, держал маленькую молочную лавку. И всё время его занимало рисование - этой деятельности он посвящал каждый день. И в итоге начал зарабатывать искусством. Рисовал он на чёрной клеёнке - дешёвом материале, который был под рукой. Писал вывески для духанов (грузинских трактиров), портреты, животных, сцены застолий и праздников. За работу часто

Жестяная банка консервированного супа, нарисованная на холсте стоит десятки миллионов долларов! Комикс, увеличенный до размера стены, - тоже миллионы. Звучит как насмешка над искусством, правда? А ведь за этим стоит целое художественное движение, которое перевернуло представление о том, что вообще можно считать искусством. Называется оно поп-арт. И главная несправедливость в том, что все знают только одного автора - Энди Уорхола, с его банками супа и разноцветной Мэрилин. Как будто он один всё это придумал. На самом деле рядом с Уорхолом работали художники, которые сделали для этого не меньше, а кое в чём и больше. Просто они не умели так шуметь. Сегодня назову 5 имён, без которых не было бы ни этих «дорогих банок супа», ни современной рекламы, дизайна и моды. Поехали. Поп-арт (от англ. popular art — «популярное искусство») родился в 1950–60-е годы в Британии и США. Идея была дерзкая: взять образы из массовой культуры рекламу, комиксы, упаковку, фото знаменитостей, товары из супермарк

В 1871 году в центре Парижа, на Вандомской площади, рухнула огромная бронзовая колонна с фигурой Наполеона на вершине. Её снесли намеренно, по решению революционного правительства. А отвечать за это потом пришлось только одному человеку - художнику Гюставу Курбе. Его судили, посадили в тюрьму на полгода, а затем обязали оплатить восстановление колонны из собственного кармана. Сумма была такой, что разорила бы и десятерых! Курбе был не политиком и не разрушителем. Он был живописцем, одним из самых знаменитых во Франции. Как же он оказался виноват в сносе памятника? И чем всё закончилось? Гюстав Курбе родился в 1819 году в Орнане, на востоке Франции, в семье зажиточных землевладельцев. Характер у него был под стать его телосложению - мощный, упрямый и самоуверенный. Он рано решил, что станет великим художником и шёл к этому напролом. Курбе стал основателем реализма в живописи. Это звучит скучно, но в середине XIX века было настоящей "бомбой". До него «высокая» живопись изображала богов,

Видели картины где лица перекошены, цвета кричат и перспектива поехала? Скорее всего, перед вами экспрессионизм. Это направление, которое показывает мир таким, каким его чувствует человек в момент сильной эмоции страха, тоски, ярости, отчаяния. Само слово говорит за себя. Экспрессионизм происходит от expression, «выражение», т.е. что человек чувствует. Сегодня покажу четыре признака, по которым вы будете узнавать экспрессионизм с первого взгляда. Первое и главное. Экспрессионист сознательно ломает правильную форму. Лица вытянуты или сплющены, тела непропорциональны, дома кривые, улицы заваливаются набок. Это специальный приём. Когда человек в панике, мир для него и правда «едет». Когда в тоске - всё вокруг сжимается и замедляется. Экспрессионист переносит это искажение прямо на холст. Сравните с импрессионизмом. Импрессионист тоже отходит от точной формы, но ради того, чтобы поймать свет и мгновение, - у него всё дрожит от солнца и воздуха. Экспрессионист искажает форму ради эмоции -