MD Art Guide

В 1924 году русская художница Зинаида Серебрякова уехала из Советской России в Париж на заработки. Она хотела поправить отчаянное материальное положение семьи. Планировала вернуться через несколько месяцев. Дома, в России, остались её четверо детей и пожилая мать. Серебрякова не увидит двоих из своих детей 36 лет. Мать она не увидит больше никогда. Эта поездка «на три месяца» растянулась на всю оставшуюся жизнь. Сегодня рассказываю трагедию семьи Зинаиды Серебряковой. Зинаида Серебрякова родилась в 1884 году в знаменитой художественной семье. Её дед был известным архитектором, отец - скульптором, дядя - художником Александром Бенуа, одной из главных фигур русского искусства. Девочка росла среди искусства и впитала его с детства. Она рано вышла замуж по большой любви, но за своего двоюродного брата Бориса Серебрякова, инженера. Брак был счастливым, у них родились четверо детей: двое сыновей и две дочери. Семья жила в родовом имении Нескучное под Харьковом. Именно там, в счастливые пред

Представьте: вы - художник середины XIX века, годами учились писать портреты, ваш хлеб - заказы от тех, кто хочет иметь своё изображение. И вдруг появляется аппарат, который делает то же самое за минуту, точнее вас и почти бесплатно. Фотография. Для художников это была катастрофа. Многие были уверены, что профессия мертва, живопись больше не нужна, машина победила человека. Один известный художник того времени в отчаянии заявил, что отныне живопись мертва. А произошло ровно обратное. Именно фотография, которая должна была убить живопись, заставила её родиться заново и подарила нам импрессионизм, одно из самых любимых направлений в искусстве. Сегодня рассказываю, как это случилось. Чтобы понять масштаб паники, надо понять, чем жил средний художник до середины XIX века. Главным хлебом был портрет. Если человек хотел сохранить своё лицо для потомков, увековечить семью, оставить изображение умершего родственника - был только один способ: сделать заказ художнику. Других вариантов не существ

Помните песню «Миллион алых роз»? Она про художника, который продал всё и купил возлюбленной море цветов. Многие думают, что это просто красивая выдумка поэта. Но у этой песни есть реальный прототип. Грузинский художник Нико Пиросмани завалил цветами целую улицу ради любимой женщины. Его жизнь была печальнее любой песни. Давайте узнаем подробности этой романтичной истории. Нико Пиросмани (полное имя Николай Пиросманашвили) родился около 1862 года в грузинском селе Мирзаани, в бедной крестьянской семье. Рано остался сиротой. Не получил никакого образования. Он перепробовал много занятий: служил у богатых людей, работал кондуктором на железной дороге, держал маленькую молочную лавку. И всё время его занимало рисование - этой деятельности он посвящал каждый день. И в итоге начал зарабатывать искусством. Рисовал он на чёрной клеёнке - дешёвом материале, который был под рукой. Писал вывески для духанов (грузинских трактиров), портреты, животных, сцены застолий и праздников. За работу часто

Жестяная банка консервированного супа, нарисованная на холсте стоит десятки миллионов долларов! Комикс, увеличенный до размера стены, - тоже миллионы. Звучит как насмешка над искусством, правда? А ведь за этим стоит целое художественное движение, которое перевернуло представление о том, что вообще можно считать искусством. Называется оно поп-арт. И главная несправедливость в том, что все знают только одного автора - Энди Уорхола, с его банками супа и разноцветной Мэрилин. Как будто он один всё это придумал. На самом деле рядом с Уорхолом работали художники, которые сделали для этого не меньше, а кое в чём и больше. Просто они не умели так шуметь. Сегодня назову 5 имён, без которых не было бы ни этих «дорогих банок супа», ни современной рекламы, дизайна и моды. Поехали. Поп-арт (от англ. popular art — «популярное искусство») родился в 1950–60-е годы в Британии и США. Идея была дерзкая: взять образы из массовой культуры рекламу, комиксы, упаковку, фото знаменитостей, товары из супермарк

В 1871 году в центре Парижа, на Вандомской площади, рухнула огромная бронзовая колонна с фигурой Наполеона на вершине. Её снесли намеренно, по решению революционного правительства. А отвечать за это потом пришлось только одному человеку - художнику Гюставу Курбе. Его судили, посадили в тюрьму на полгода, а затем обязали оплатить восстановление колонны из собственного кармана. Сумма была такой, что разорила бы и десятерых! Курбе был не политиком и не разрушителем. Он был живописцем, одним из самых знаменитых во Франции. Как же он оказался виноват в сносе памятника? И чем всё закончилось? Гюстав Курбе родился в 1819 году в Орнане, на востоке Франции, в семье зажиточных землевладельцев. Характер у него был под стать его телосложению - мощный, упрямый и самоуверенный. Он рано решил, что станет великим художником и шёл к этому напролом. Курбе стал основателем реализма в живописи. Это звучит скучно, но в середине XIX века было настоящей "бомбой". До него «высокая» живопись изображала богов,

Видели картины где лица перекошены, цвета кричат и перспектива поехала? Скорее всего, перед вами экспрессионизм. Это направление, которое показывает мир таким, каким его чувствует человек в момент сильной эмоции страха, тоски, ярости, отчаяния. Само слово говорит за себя. Экспрессионизм происходит от expression, «выражение», т.е. что человек чувствует. Сегодня покажу четыре признака, по которым вы будете узнавать экспрессионизм с первого взгляда. Первое и главное. Экспрессионист сознательно ломает правильную форму. Лица вытянуты или сплющены, тела непропорциональны, дома кривые, улицы заваливаются набок. Это специальный приём. Когда человек в панике, мир для него и правда «едет». Когда в тоске - всё вокруг сжимается и замедляется. Экспрессионист переносит это искажение прямо на холст. Сравните с импрессионизмом. Импрессионист тоже отходит от точной формы, но ради того, чтобы поймать свет и мгновение, - у него всё дрожит от солнца и воздуха. Экспрессионист искажает форму ради эмоции -

В 1570-х годах в Риме жил молодой художник с Крита. Звали его Доменикос Теотокопулос - имя, которое римляне не могли выговорить, поэтому называли его просто «грек», по-испански El Greco. И вот однажды этот молодой грек сделал то, что в Риме не делал никто. Он публично заявил, что если бы фреску «Страшный суд» Микеланджело в Сикстинской капелле уничтожили, он мог бы написать на её месте новую еще лучше. То есть, по сути, назвал работу величайшего из живущих мастеров неудачной. В Риме это был скандал. Микеланджело очень уважали и относились как к великому живописцу. После такого заявления Эль Греко в Италии стало нечего ловить и он уехал в Испанию, где и создал всё, чем знаменит. Доменикос Теотокопулос родился в 1541 году на острове Крит, который тогда принадлежал Венеции. Это важная деталь. Крит был местом встречи двух миров - византийского православного и западного католического. Эль Греко начинал как иконописец в византийской традиции, после чего уехал в Венецию учиться западной живо

На рубеже XIX и XX веков существовали два стиля - символизм и модернизм. У них общая атмосфера загадочности, красоты и в целом ухода от реальности. Одно и то же? А вот нет! Символизм - это о чём картина. Модерн - то как она сделана. Один отвечает на вопрос «что художник хочет сказать», другой - «как художник это оформил». И они могут встречаться вместе, а могут по отдельности. Показываю наглядно. Сегодня разберу разницу на двух художниках, которые идеально показывают эти два полюса: Михаил Врубель - образец символизма, Альфонс Муха - образец модерна. Для начала разберемся отдельно в каждом направлении Символизм - это направление в искусстве и литературе конца XIX века. Главная идея в том, что за реальным миром скрывается другой, тайный, наполненный духовным смыслом. Задача художника показать невидимое через символы и образы. Михаил Врубель - главный русский символист в живописи. И его «Демон сидящий» 1890 года яркий пример этого направления. На картине молодой обнажённый мужчина с мощ

Китагава Утамаро был самым знаменитым художником Японии конца XVIII века. На его гравюрах были красавицы и они раскупались мгновенно. Издатели богатели. Имя гремело по всему Эдо - так тогда назывался Токио. А в 1804 году его арестовали. Заковали в наручники на пятьдесят дней и посадили в тюрьму. Через два года после этого он умер. Причиной стала одна гравюра. На ней не было ничего непристойного, ничего кровавого, ничего, что мы сегодня сочли бы преступным. Но в Японии того времени это было нарушением, которого власть не прощала. Сегодня я расскажу вам, что такого запретного изобразил художник и о мире, в котором за картинку можно было попасть в тюрьму. О ранней жизни Утамаро известно мало. Родился он около 1753 года, точное место рождения неизвестно. Настоящее имя тоже под вопросом. Японские художники того времени брали себе псевдонимы, меняли их и проследить биографию сложно. Зато известно чем он занимался. Утамаро работал в технике укиё-э, «картины плывущего мира». Это японская грав

В любом крупном музее имеется достаточно много живописи на религиозную тематику. Святые, ангелы, Дева Мария, сцены из жизни Христа. И многие проходят мимо этих залов быстрее всего. Им непонятно, кто есть кто, что происходит, почему у одного в руках ключи, а у другого стрелы в теле. Чтобы читать религиозную живопись, не обязательно знать Библию наизусть. Художники Средневековья и Возрождения работали с устойчивым набором знаков-подсказок. Это был визуальный язык для неграмотных, ведь читать в то время умели единицы. Картина должна была рассказывать историю без слов. Сегодня покажу семь символов, которые открывают большую часть религиозной живописи. Читаем и держим в уме, что сейчас мы не говорим про иконопись. Хотя почти все символы можно найти и на иконах. Самое первое и простое. Золотой круг или сияние вокруг головы - это нимб. Он означает святость. Если у персонажа есть нимб, перед вами не обычный человек, а святой, ангел, Богоматерь или Христос. Но нимбы бывают разными! Простой кру