Только-только закончилась Первая мировая война, на страны и народы неумолимо наползает Великая депрессия. В Европе неспокойно, поднимает голову коричневая чума, многие традиционные вещи обесцениваются. До второй страшной войны – полтора десятилетия. Но тем, кто жив, хочется надеяться на лучшее и верить в то, что все устроится, успокоится и в конце концов сложится замечательно, как в наивных картинах немого кино. Звучит сладкая музыка джаза, женщины расстаются с длинными волосами, примеряют новые шляпки и меховые горжетки, разучивают па модного танца - чарльстона. Именно этот отрезок, 20-30 годы XX века стал расцветом нового стиля в искусстве – блестящего и роскошного Ар Деко.
Ар Деко возник во время небольшой передышки между катаклизмами, потрясшими страны и континенты, как своего рода бегство в иллюзорный мир комфорта и традиционной буржуазности с ее тягой к уюту, шику, внешней презентабельности, вниманием к деталям. Людям так хотелось красоты, изящества, респектабельности… И на какое-то время такая отдушина появилась. Изящные формы, радующие глаз и согревающие душу, дорогие материалы, эклектичность и декоративность – все это быстро стало популярным и считалось остро-модным до конца 30-х годов. Яркие, насыщенные цвета, этнические орнаменты, обилие позолоты, декорирование дорогими породами дерева, кожи, мрамором, медью и бронзой… Спрос на мебель, живопись, скульптуру, интерьерные мелочи, выполненные в стиле Ар Деко, был очень высок.
Хотя пик популярности ар-деко приходится на период с 1925 по 1935 годы, сам стиль сложился уже к 1910 году. В 1925 году в Париже "Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств", в которой приняли участие художники из Японии и практически из всех европейских государств (кроме Германии). Сокращенное название выставки дало жизнь термину "ар-деко", хотя были и альтернативные названия - "стиль джаз", "зигзаг модерн", "стиль Пуаре" и т.д.
ЧАСТЬ ПЕРВАЯ: СКУЛЬПТУРА АР-ДЕКО - ДЕМЕТР ЧИПАРУС И ДРУГИЕ.
Ар-деко вдохновил плеяду скульпторов и дизайнеров на создание прекрасных предметов декоративно-прикладного искусства. И помимо всего прочего это в первую очередь бронзовые с костью, «хризоэлефантинные» фигуры Дмитрия Чипаруса (Dimitri Chiparus), Фердинанда Прайса (Ferdinand Preiss), Клер Колине (Clair Colinet) и других не менее талантливых скульпторов того времени. Прошедшие с тех пор почти сто лет дали верную оценку временем искусству Ар-деко и выделили лучших художников и скульпторов. И имя Дмитрия Чипаруса заслуженно возглавило этот список.
Дмитрий Чипарус - выходец из Румынии, родился в 1886 году. Обучавшийся в Париже в Школе изящных искусств, в мастерских у Антонина Мерсье (Antonin Mercie) и Жана Буше (Jean Marie Boucher), Дмитрий («Деметр» по-французски, по-румынски «Думитру», встречаются варианты «Деметер» и «Димитриус») Чипарус в своем дальнейшем творчестве совсем не похож на своих титулованных учителей. Мало общего в творчестве зрелого Чипаруса и со своим итальянским учителем – Раффаэлло Романелли.
Ранние вещи мастера до недавнего времени были мало востребованы на рынке, то есть их цена не сильно отличалась от аналогов других авторов. Но, когда знаковые работы Дмитрия Чипаруса стали продаваться дороже ста тысяч долларов, уже любые работы с его подписью подскочили в цене. Бронзовые или хризоэлефантинные детишки, отдельные или исполненные группами, относятся экспертами к концу 1910-х - началу 20-х годов. Поскольку денег на профессиональных натурщиц у безденежного молодого мастера не хватало, его моделями чаще всего становились дети, готовые терпеливо позировать за сладкое угощение.
На фотографиях ниже:
Дмитрий Чипарус. Катание на санях (Toboggan) (1)
Дмитрий Чипарус. Школьница (School girl) (2)
Дмитрий Чипарус. Маленький нищий (Little Beggar) (3)
ЧАСТЬ ВТОРАЯ: ЖИВОПИСЬ И ИЛЛЮСТРАЦИЯ.
Яркий и экзотический стиль ар- деко можно отнести к одному из самых загадочных стилей двадцатого столетия. Он очень быстро распространился по всему миру и до сих пор остается источником вдохновения для многих художников. Стилевое течение ар деко получило самое большое развитие в странах Западной Европы и Америки. Отправным пунктом к ее распространению и развитию можно считать Международную выставку декоративного искусства и промышленности, которая была проведена в Париже в 1925 году. Основными центрами развития ар деко являются Франция и США.Произведения живописи в стиле ар деко нельзя назвать особо новаторскими, но все они безусловно стильные. В своих работах художники сочетают различные элементы кубизма, экспрессионизма, модерна и других течений в живописи. Здесь присутствует интересное сочетание тяжелых монументальных форм вместе с дополнительными элементами украшений. Вместо натуралистических в данном стилевом направлении чаще всего используются стилизованные и абстрактные мотивы. Кроме того, в картинах, написанных в стиле ар деко используются достаточно яркие цвета. Значительное внимание здесь уделяется различным второстепенным объектам, таким как одежда, аксессуары и разные детали туалета.
БАРОНЕССА ТАМАРА ДЕ ЛЕМПИЦКИ - "ДИВА ДЕКО".
К одним из самых известных художников, которые работали в стиле ар деко, можно причислить Тамару де Лемпицки, которая в свое время училась у Мориса Дени. Художница писала женщин в элегантных одеяниях, которые принимали на полотнах томные позы. Это была эпоха стиля, раскрепощения женщин, эпатажа... Но Тамара выделялась среди самых эпатажных женщин, ее поведение шокировало даже богему, и конечно, обывателей. Ее называли «Дивой Деко». Такой титул она заслужила не только за образ жизни; в нем больше признания ее таланта – великолепного, яркого. Живопись этой потрясающей художницы – чувственная, завораживающая своей красотой, неотъемлемая часть ар-деко.
Все ее работы достаточно легко вписывались в буржуазный антураж, мастерски синтезируя салонную иконографию с различными элементами кубизма. В сороковых годах двадцатого века художница переехала из Парижа в США, где ее работы также пользовались очень большой популярностью.Картины Тамары де Лемпицки можно считать типичным представлением ар- деко в живописи.
На фотографиях ниже:
Художница Тамара де Лемпицки (1).
Тамара де Лемпицки. Автопортрет (2).
Тамара де Лемпицки. Автопортрет "Женщина в зеленом Bugatti" (3)
ЧАСТЬ ТРЕТЬЯ: ФРАНЦУЗСКИЙ ЛАЙНЕР "НОРМАНДИЯ" - ИНТЕРЬЕРЫ В СТИЛЕ АР-ДЕКО.
Июльским днем 1936 года в нью-йоркском порту на борт французского пакетбота «Нормандия» погрузили 21 сундук, 35 больших чемоданов, 18 чемоданов поменьше, 9 совсем маленьких и 15 шляпных коробок. Багаж одной пассажирки первого класса. Пассажирку звали Марлен Дитрих.
За таких, обвешанных сундуками, заваленных охапками цветов и залитых шампанским, звездных клиентов боролись пароходные компании и целые страны. Конкуренция в сфере трансатлантического извоза кипела тогда на океанских просторах : германцы «Бремен» и «Европа», итальянец «Рекс», две знаменитые английские дамы, две морские королевы «Куин Мэри» и «Куин Элизабет». Славные имена, знаменитые корабли, но всех превзошла спущенная на воду в 1932 французская «Нормандия». Если бы на кораблях вешали мемориальные доски, двадцатиметровые борта «Нормандии» были бы ими покрыты сверху донизу. С 1935 года, когда Нормандия совершила свой первый рейс, и до начала 40-х не было такого богатого человека, который не совершил бы путешествие в Нью-Йорк на этом лайнере.
С «Нормандии» в судостроении началась эпоха гигантских лайнеров-небоскребов. Это инженерный шедевр, который даже по внешнему виду резко отличался от предшественников: узкий сигарообразный корпус, трубы, приземистые и широкие, как тульи шляп. Лайнеры второй половины 30-х и 40-х годов подражали облику «Нормандии», но ни один из них не был так красив. Ее конструктор, Владимир Юркевич, разработал такие обводы корпуса, что судно, уступая свой сопернице, английской «Королеве Мэри», в мощности двигателей, легко ставило рекорды скорости.
Первый же выход оборачивается громадным успехом для Франции (она впервые получила этот приз- Голубую Ленту за скорость), для «Нормандии», и для ее русских отцов-создателей. Эмигрантская пресса праздновала триумф от души:
«В Сэн-Назеревском свадебном венке символически сплелись два начала, две пальмы человеческого гения: русская и французская».
Парижская «Россия» не удержалась от небольшой шпильки:«Если французы имеют право гордиться победой „Нормандии“, так как „Нормандия“ — французский корабль, то мы, русские, можем вдвойне гордиться этой победой, так как французам дал эту победу наш русский инженер, который, прежде всего, должен был победить самих французов, чтобы потом дать им победу над англичанами».
На фотографиях ниже:
Русский инженер Владимир Юркевич и спуск "Нормандии" на воду 29 октября 1932 года (1)
"Нормандия", фотография 1941 года (2)
"Нормандия" в иллюстрированных журналах (3,4)
ЧАСТЬ ЧЕТВЕРТАЯ: ЮВЕЛИРНЫЕ УКРАШЕНИЯ И НЕМНОГО МОДЫ .
В начале 20-х годов 20 века ювелиры, как и их собратья по искусству - архитекторы и художники-декораторы, работавшие над оформлением интерьеров, - окончательно отказались от причудливо изгибающихся линий и блеклого колорита модерна. В поисках новых средств выражения они обратились к ясным геометрическим формам, с четким построением симметричных композиций, главенствующую роль в которых играли прекрасно ограненные драгоценные камни. (фотографии 1,2)
Стиль созданных ими произведений позднее назовут ар- деко. Он сочетал в себе простоту и роскошь, четкость геометрических конструкций и яркую игру сверкающих камней. Этот стиль, сформировавшийся к началу 1920-х годов во Франции, вскоре покорил США, а затем и большинство стран Европы, подчинив своим художественным принципам практически все виды прикладного искусства, включая костюм.
В 1920-х годах, в пору «джаз-модерна», модные парижанки остригли волосы, укоротили юбки и упразднили рукава.Возникла мода «гарсон». Роскошную вечернюю «брошь-кисть» (фотография 3) днём заменяла бесконечная нить искусственного жемчуга или бусы из камней. Носили тяжелые пояса и браслеты (на запястье и иногда предплечье).
Французский кутюрье Поль Пуаре стал первым использовать стиль ар-деко в своих коллекциях. Изысканные и утонченные наряды пришлись по нраву дамам из светского общества.Для создания элитных туалетов в то время, в основном, использовали бархат и шелк. Декоративными элементами служили серебро, жемчуг, бахрома, стеклярус. Одежда в стиле ар-деко имела достаточно простой силуэт, но очень богатую отделку и выглядела вполне «вечерней», подходящей для торжественного выхода в свет. (фотография 4)
Длинные колье-сотуары, поклонницей которых была Шанель, вошли в моду в эпоху арт-деко (20-е годы XX века). Новые фасоны платьев с декольте сзади и спереди, новые укоротившиеся прически способствовали появлению новых украшений. Сотуар и стал одним из них. Это длинная цепь с крупной подвеской или несколько цепочек, которые носили, перекинув через плечо или на спине. Невероятно женственное украшение в исполнении Коко Шанель вошло навсегда в историю моды в виде длинного жемчужного ожерелья. (фотографии 5,6,7)
На 8 фотографии на модели одновременно одеты сотуар в стиле Шанель и брошь-кисть.
ЧАСТЬ ПЯТАЯ: МОДА И СТИЛЬ 1920-30 ГОДОВ В ИЛЛЮСТРАЦИЯХ И КОСТЮМАХ ИЗ КОЛЛЕКЦИИ АЛЕКСАНДРА ВАСИЛЬЕВА.
20-е годы прошлого столетия - это революционный период в истории моды: именно в это время произошли качественные сдвиги в формировании современного женского костюма - отказ от корсета, укорочение одежды, свободный крой, появление брюк и др.
Изменению женского мировоззрения способствовали тяготы военного времени: пока мужчины были на фронте, женщины рыли траншеи, работали на фабриках и заводах, ухаживали за ранеными в госпиталях. Женский костюм довоенного образца был совершенно не пригоден для работы. Естественно, приходилось упрощать крой одежды, отказываться от корсетных изделий, мешающих нормальной работе и сковывающих движения.
Женщины стали более мужественными и самостоятельными. Изменяясь внутренне, они изменялись и внешне: их больше не устраивали модные стандарты довоенного времени - они хотели свободы от корсетных изделий, удобства в движениях, комфорта. Сложные фасоны платьев и прически, длинные одежды остались в прошлом, наступила новая эра в костюме.
Стремление к эмансипации изменило понятия о красоте: эталоном в этот период стала худенькая, угловатая женщина с плоской грудью, узкими бедрами, без малейших намеков на женственность. Одежда 20-х годов была прямого силуэта с асимметричным подолом, без рукавов, с открытой спиной и с заниженной талией, о наличии которой тоже нужно было догадываться. Женщины нещадно расправлялись с последними признаками женственности в собственном облике - срезали локоны, взамен которым пришли короткие стрижки "паж". Модно было курить, так что мундштук, длина которого достигала иногда полуметра, был отличным подарком для любимой!
Длина женских юбок в начале 1920-х годов достигала щиколотки, затем изделия стали укорачиваться: в 1924 - 1925 годах длина была до колен, а к 1927 году - уже выше колен!
Мода и стиль 20-х годов ознаменовались творчеством таких замечательных дизайнеров, как Поль Пуаре, Жан Пату, Коко Шанель, благодаря чему произошли качественные изменения во внешнем облике женщин. Поль Пуаре избавил женщин от корсетов, Коко Шанель создала в 1926 году свой известный бренд - маленькое черное платье, ввела моду на короткие стрижки, немнущиеся юбки-плиссе, свитера, пуловеры и предложила принципиально новую бижутерию взамен изделий, повторяющих дизайн натуральных драгоценностей и потому выглядящих слишком фальшиво. Очень популярен был искусственный жемчуг в эти годы - он выглядел как натуральный!
На фотографиях ниже иллюстрации из журналов мод 20-х годов.
Присоединяйтесь к ОК, чтобы посмотреть больше фото, видео и найти новых друзей.
Комментарии 7