Художник Щепина Екатерина

Вчера мы посетили очередной артистический вечер Павла Пиковского и группы Хьюго в Кирове. Это мой третий концерт. Знакомство с его творчеством и безусловная любовь начались с песни "Меняй", именно эта композиция отражает тот дух свободы, который резонирует со струнами моей души. "Давай иди, куда скажут И делай то, что позволят Тащи то, что загрузят Тебе всё по плечу Меняй свободу на платье А я так жить не хочу" Слушать в записи - это прекрасно, но ничто не заменит той живой энергии, которая льется на его выступлениях. Я бывала на разных концертах и могу сказать, что ощущение тепла, добра и радости после не сохраняется так долго, как после представлений Павла. Вот и сейчас я пишу эту статью и вспоминаю вчерашний вечер с улыбкой. Первый концерт проходил в клубе "Инженер", тогда я еще не знала так хорошо тексты песен и в основном ловила настроение в танце. Второй концерт в 2025 году я посетила в клубе "PRB", здесь уже была подготовлена и пела любимые песни с толпой, наслаждаясь каждым

Мы уже касались тему стратегий в творчестве художника, важности стратегирования для встраивания своего художественного "Я" в поле современного искусства в статье. Сегодня я хотела рассказать еще об одной из моих серий - серии "Жизнь маленьких людей". Она родилась в период пика популярности русской темы - кокошники, орнаменты и пр., но при этом сохраняет актуальность до сих пор судя по спросу. Давайте проанализируем почему. Эта серия задумывалась как эскизная для поиска цвета, но стала самостоятельным крупным явлением в моей художественной жизни. Серия была задумана в рамках малого формата 15*15 см и за его пределы не выходила. Здесь я искала удачные цветовые сочетания на основе бытовых сюжетов. Все персонажи - это маленькие человечки в кокошниках, причем пол и возраст не важен. Это формальный прием, который позволяет идентифицировать в персонажах русских людей. Я горжусь тем, что родилась в России, люблю Родину и своих соотечественников, поэтому эту серию особенно выделяю среди всех

Нет, в этой статье мы не будем разбираться как правильно пошагово рисовать кота, а поговорим о том, что такое "правильно". Во избежание недопонимания в этом остром вопросе, уточню, что это мой субъективный взгляд, основанный на личном опыта преподавания и творческой деятельности. Буквально вчера мои студенты подняли вопрос о методике преподавания рисунка и живописи, есть ли объективная структурированная система? Когда мы касаемся технических навыков, то разумеется система есть, ее и дают в учебных заведениях, хотя от педагога к педагогу она меняется также субъективно. Каждый преподаватель имеет собственное видение процесса, поэтому на выходе из учебного заведения мы часто сталкиваемся с тем, что работы учеников похожи, как под копирку на работы самого преподавателя. Кстати, именно поэтому я отказалась вести спец-дисциплины в училище. Иттен в своей книге "Искусство формы" говорит о том, что хорошее преподавание заключается в выявлении субъективных особенностей конкретного ученика и их

Итак, мы говорили о желтом цвете у Иттена, а теперь я решила провести собственное исследование на практике. Для начала я выполнила этюд с желтой лилией на сером фоне с помощью масляной пастели. Я обожаю этот материал за технические возможности, можно растаскивать ее пальцем, скрести мастихином, рисовать линией или наносить мазки подобно маслу. Но все же продолжить исследование я решила маслом. Для этого я загрунтовала несколько холстов на картоне желтым акрилом, я всегда использую цветную имприматуру, она позволяет задать тон всей работе. А еще у меня есть такая теория, что длины волн желтого подмалевка все равно начинают пробиваться кое-где сквозь последующее покрытие маслом, даже если это не заметно невооружённым глазом. Это создает дополнительную цветовую вибрацию и усложняет колорит работы. Фон я решила взять нейтральный серый , смешав сажу газовую с титановыми белилами. Дабы усложнить фон (внимание секрет) я всегда делаю три подхода, немного меняю тепло-холодность изначальной

Выразительность художественного образа напрямую зависит от формы. "Существуют различные способы акцентирования направлений внутри пространства картины - горизонтальные, вертикальные, диагональные, круговые или их сочетания. Каждое из этих направлений имеет свой особый смысл. " Иттен Горизонтальное - подчеркивает тяжесть, протяженность пространства , его ширину. Вертикальное - выражает легкость, высоту и глубину. Передача торжественности. При изменении отношения длины к высоте меняется и выразительность образа. Оба эти направления носят плоскостной характер и при одновременном использовании создают чувство равновесия, прочности и материальной устойчивости. Диагональные направления создают движение и развивают пространство картины в глубину. Круг, принадлежащий к циркульным формам, заставляет зрителя концентрировать свое внимание и одновременно вызывает ощущение движения. Как и спираль. Круг - замкнутая фигура, в ней как ни в какой иной развивается движение. Ассоциативный ряд связан с п

Любая хорошая книга, содержащая научные теории, написана автором, который всегда говорит о том, что нельзя быть в чем-то абсолютно убежденным. Всегда у вас должен быть гибкий взгляд на вещи, иначе вы обречены на узость мышления. Когда-то форма в картине для меня была превыше всего остального, превыше сюжета, колорита и пр. Прошло время и сейчас главным в картине для меня стал цвет, хоть и не в отрыве от композиции, но его выразительность стала для меня важнее структуры-формы произведения. Сейчас мы убеждены в таких истинах, что Земля наша эллипсовидная, это доказано кажется со всех сторон. С этим сложно спорить, да и кажется уже ни к чему, скажете вы. Но, буквально недавно на уроке перспективы мои студенты заставили меня задуматься, а квантовые физики (например, Дэвид Дойч) в своих поисках "теории всего" заставили предположить не очень очевидные вещи. Если сделать допущение, что вся наша Вселенная - это некая генерация на квантовом компьютере, симуляция, матрица (называйте как хотите

Компоновать в цвете значит расположить рядом два или несколько цветов таким образом, чтобы их сочетание было предельно выразительным. На данном этапе моего творческого пути компоновка в цвете представляет для меня наиболее сложный процесс, а значит интересный. Поэтому композиция таких работ с точки зрения рисунка проста, дабы не отвлекаться от цветового конструирования. О чем должен думать художник при конструировании цветом? Одной из самых существенных задач композиции является обеспечение равновесия цветовых масс, которое зависит от следующих факторов: 1) выбор общего колорита картины Первый самый важный момент - определиться в какой гамме будет картина - синяя, красная, желтая и т.д. От этого выбора зависит успех работы. В любом случае, какие бы вы цвета ни использовали, в работе должен быть один ведущий цвет, который занимает большую площадь, это обеспечит цельность картины 2) выбор цветовой схемы В зависимости от лидирующего цвета вы подбираете другие цвета ему гармоничные. Н

"В качестве антипода желтого цвета - цвета познания - фиолетовый является цветом бессознательного и таинственного, то угрожающего, то ободряющего, но всегда впечатляющего. В зависимости от соседних контрастирующих цветов он нередко может вызвать у зрителя даже гнетущее настроение." Наряду с зеленым фиолетовый тоже мой нелюбимый цвет и у меня практически нет картин в таком колорите. но все же кое-что нашла для примера. "Когда фиолетовый покрывает большие площади, он может стать определенно угрожающим, особенно рядом с пурпурным цветом." В работе ниже ощущение фиолетового возникает симультанно в сине-красной среде. "Фиолетовый - это цвет бессознательного благочестия, который в затемненном или более тусклом виде становится цветом темного суеверия." В целом затемненный фиолетовый всегда смотрится таинственным особенно в сочетании с красными и пурпурными цветами. Фиолетовый является дополнительным к желтому, поэтому в сложных смесях или сочетаниях эти два цвета подчеркивают друг друга,

Несколько лет назад я проходила обучение у искусствоведа современного искусства Каролины Пескишевой, с которой мы разработали мой Artist Statement для галерей. Я выбрала для своего исследования стратегию сериала. В настоящее время, чтобы художник стал узнаваем, он обязан обладать не только своим стилем, но и прорабатывать стратегию художественной деятельности и речь сейчас не про маркетинг, хотя косвенно эти две сферы взаимосвязаны. Стратегия сериала предполагает серийность, наличие персонажа или группы персонажей, которые кочуют из работы в работу, с ними происходят какие-то перемены, внутренние и внешние, меняются сюжеты, но по сути персонаж или персонажи во всех работах одни и те же. У зрителя возникает желание узнать, а что же с этим героем будет дальше. Так началась серия автопортретов, где главный персонаж - это я. Вот первая работа, которая предшествовала огромному пласту произведений, здесь я уже нахожу себя, но еще без лица. Я никогда не носила красную помаду, но именно