АВТОПОРТРЕТ В ЖИВОПИСИ

На протяжении долгого времени искусствоведы изучали и искали ответ на вопрос «что такое автопортрет?». Ведь значение этого термина складывается из двух частей: «авто», что значит «автор», и «портрет» - изображение человека.

Как известно, мы не воспринимаем своё отражение так, как видят его другие со стороны. Так и художник, и скульптор, оценивая себя с другой, более критичной стороны, изображает себя так, как видится ему.

Когда художник рисует самого себя, то пытается перенести на материал не только внешность, черты лица и сложение тела, он старается подарить собственному изображению личность, и это дает нам возможность оценить работу ещё и с психологической точки зрения, одновременно наслаждаясь шедевром.
Автопортрет – это оценка художником своей личности.

Попробуем «пройтись» по галерее Автопортретов художников разных эпох и стилей.

Гений эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер был одной из ярчайших звёзд на небосклоне немецкой живописи. Он стал одним из первых художников, выбравших жанр автопортрета как центральный в своей работе. Биографы утверждают, что мастер Альбрехт Дюрер был крайне привлекательным молодым человеком, и любовь к автопортретам была отчасти связана с тщеславным желанием понравиться людям. Однако не в этом заключалось истинное их назначение. Автопортреты Дюрера – это отражение его внутреннего мира и взглядов на искусство, история эволюции интеллекта и развития художественного вкуса.

На нём изображён уверенный в себе человек, осознавший своё призвание, миссию творца прекрасного и кредо мыслителя. Дюрер на нём исполнен достоинства. Его осанка прямая, а взгляд выражает уверенность. Альбрехт богато одет. Его тщательно завитые волосы ниспадают на плечи. А на заднем плане автопортрета виднеется итальянский пейзаж – чистое вдохновение художника.

Но самым популярным автопортретом является тот, что датирован 1500-м годом. Вот он, и называется «Автопортрет в образе Христа»

Лицу преданы божественные, иконографические черты. Художнику на время написания было 28 лет.

Он запечатлел себя анфас, что было немыслимой смелостью в XVI веке. Все портреты того времени отличала одна общая черта: обычных людей всегда изображали вполоборота, и лишь Иисус был исключением. Дюрер стал первым художником, нарушившим этот негласный запрет. Пронзительный взгляд, волнистые волосы, совершенные пропорции лица действительно делаю его похожим на Христа. Даже кисть руки, запечатлённая внизу холста, сложена в жесте, типичном для святого отца. Цвета на картине сдержанные. На фоне черного, красного, белого и коричневого оттенков ярко выделяется лик художника. Облачённый в одеяния, отороченные мехом, мастер Альбрехт словно бы сравнивал себя с творцом, который резцом и кистью создаёт свой особенный, загадочный и неповторимый мир.

Кстати, Дюрер одним из первых дал толчок к переоценке статуса художника. В то время в Германии рисунок считался ремеслом, и оставлять автографы на работах было не принято, но Дюрер всегда подписывал картины полным именем. Кроме того, он является первым европейским художником, написавшим автобиографию, и крупнейшим мастером ксилографии (древнейшая техника гравирования по дереву или оттиск на бумаге, сделанный с такой гравюры).
Дюрером написано около 50 полотен со своим изображением

Много позже Фрида Кало (1907 - 1954), — мексиканская художница, наиболее известная автопортретами.) отняла у него пальму первенства по количеству созданных автопортретов, на её счету их 55.

На автопортрете с терновым ожерельем и колибри Фрида Кало изобразила себя в традиционной, мексиканской, крестьянской одежде на фоне тропических зарослей. На одном плече Фриды — обезьянка, на другом плече — кошка. На шее — ожерелье с шипами, которые ранят её. К ожерелью подвешен кулон или амулет — мертвая птица колибри.

Самое первое, на что обращаешь внимание, глядя на работы Фриды Кало — очень часто она окружала себя растениями и животными, показывая взаимосвязь, взаимозависимость человеческого мира и царства природы. Отчетливо заметна склонность художницы к «гибридности». В многочисленных своих работах Кало экспериментировала, изображая себя человеком-растением. Так и в этом автопортрете Кало становится существом из тропического мира.

Микела́нджело Меризи да Карава́джо ( 1571- 1610, ) — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко.

Он всю жизнь рисовал автопортреты: его черты можно узнать в лице казненного на картине «Давид с головой Голиафа», в проходном персонаже на картине «Мученичество апостола Матфея», и даже в лике медузы Горгоны. Но в главной роли он предстает только в образе Бахуса!

Антонис (Антон, Энтони) ван Дейк (1599 —1641) — фламандский живописец и график, мастер придворного портрета и религиозных сюжетов в стиле барокко, создатель нового типа декоративного портрета.

Чтобы понять, почему художник изобразил себя с этим цветком, надо, оказывается, знать символику цветов. Дело в том, что символизм подсолнуха связан с солнцем. Его золотистый цвет, лепестки-лучи и способность поворачивать соцветие к солнцу сделали его символом солнца и судьбы (творца, монарха), а также верности. Видимо, изображение растения на автопортрете придворного живописца - свидетельство преданности художника своему покровителю, английскому королю Карлу I (1600-1649).

В 1632 по приглашению короля Карла I, которого Рубенс называл "величайшим любителем живописи из всех государей мира", Ван Дейк отправился в Англию. Там он получил должность главного живописца короля, дворянский титул и золотую цепь. Считается, что Карл впервые услышал о Ван Дейке от своей супруги, королевы Генриетты Марии. А она, в свою очередь, узнала о нём от матери - королевы Франции Марии Медичи. Но нельзя исключать, что именно Рубенс порекомендовал британскому монарху своего лучшего ученика.

Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (1606—1669) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.

Написан в 1640 году, в зените славы, когда знатные богатые голландцы буквально заваливали художника заказами. Рембрандт решил увековечить собственную состоятельность и признание: на картине он сидит в чинной позе, одетый в дорогие платья. Этой работой автор хотел поставить себя в одну линию с Дюрером,Тицианом и Рафаэлем, которых очень уважал. В целом в своих картинах он нередко«соревновался» с Тицианом: брал типичные для коллеги сюжеты и переигрывал в своем стиле.

В автопортрете 1640 года повторена классическая позы персонажей Дюрера и Тициана: все они правой рукой опираются на парапет. Согласно рентгенограмме, первоначально на парапете была левая рука Рембрандта.

А вот Туринский автопортрет Леонардо да Винчи.

Считается, что художник выполнил его в 60-летнем возрасте. Штриховка выполнена тонкими линиями слева направо — это характерный почерк да Винчи. Работа нарисована сангиной (материал, напоминающий красно-коричневый уголь) на бумаге. Идентификация проведена в XIX веке: рисунок сопоставили с портретом Платона на фреске Рафаэля «Афинская школа», прототипом для которого был Леонардо.

Тем не менее, некоторые искусствоведы продолжают доказывать, что туринский автопортрет — всего лишь качественная подделка под да Винчи. Однако железных фактов в поддержку своего мнения они не предоставили.

Винсе́нт Ви́ллем ван Гог (1853—1890) — нидерландский художник-постимпрессионист.

Самый известный автопортрет Винсента Ван Гога является не первым. Художник в течение своей жизни написал их более 30. Написан автопортрет в Арле на пике развития психологического расстройства. Картина была нарисована через несколько дней после того, как Ван Гог поссорился с другом Гогеном, запустил ему в голову стаканом, а после в приступе гнева отрезал сам себе мочку уха. (По поводу отрезанного уха существуют разные версии)

Эже́н Анри́ Поль Гоге́н ( 1848 —1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график.

Автопортрет с Жёлтым Христом можно отнести к работе, объединяющей жанр автопортрета, бытовой сцены и религиозной живописи.

Исследователи жизни и творчества Гогена отмечают, что многие его автопортреты, особенно те, которые эксплуатируют в той или иной степени религиозную тематику, являются своеобразной аллегорией, которая демонстрирует душевное одиночество и внутренние терзания живописца. Гоген не раз изображал себя в образе Христа, а в этой работе он расположился подле него.

Здесь лицо Гогена сурово и сосредоточено – внимательные глаза, узкая бородка, усы. Зритель невольно начинает сравнивать лицо художника с лицом Христа в жёлтом цвете, находя при этом явные сходства.
Импрессионизм налицо! Чувствуются едва уловимые намёки и двойные прочтения! Глядя на этот автопортрет можно усмотреть скрытый подтекст – художник-импрессионист обречён на мученичество и скитание подобно Христу.

Пьер Огю́ст Ренуа́р (1841-1919,) — французский живописец, импрессионист.

Потрясающий импрессионист, автор новаторского для своего времени портрета актрисы Жанны Самари, Огюст Ренуар прожил долгую жизнь и на старости влюбился в юную натурщицу (об этом снят фильм «Ренуар. Последняя любовь»).

Это последний автопортрет (1910 г). Живописцу без малого 70 лет.
Перед нами пожилой мужчина с добрым взглядом, полным грусти и воспоминаниями о прожитой жизни. В его взгляде уже нет той силы и уверенности, свойственной молодым мужчинам, но есть умиротворение и спокойствие. Морщины изменили внешность художника, их никуда не спрятать, но в этих морщинах – отпечатки нелегкой жизни, многолетнего труда. Усы и борода полностью седые. Из-за густой растительности невозможно разглядеть губы художника.

Амеде́о (Иеди́дия) Клеме́нте Модилья́ни (1884-1920) — итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX в.

Работы художника отличаются самобытным авторским стилем — его невозможно спутать не с кем. Как ни странно, ловелас и покоритель сердец редко рисовал себя. Широко известен только один портрет, выполненный в 1919 году, меньше чем за год до смерти автора.

«Автопортрет» написан в присущей художнику манере - голова похожа больше на удлиненное яйцо, а шея выглядит словно цилиндр. Глаза большие, миндалевидные, но совсем другие, чем у настоящего Модильяни. Силуэт удлинен и только подчеркивает вертикальный размер холста. Пропорции далеки о классики. Однако художнику удалось передать решительность и спокойствие.

Портреты Модильяни всегда отличаются грациозностью силуэта. Автору прекрасно удается передать цветовые переходы и эмоции.
«Автопортрет» написан маслом на холсте, размер холста 64,5x100 см.

Жан Дезире́ Гюста́в Курбе́ (1819 - 1877,) — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи.

Гюстав Курбе известен, по большей части, как художник реалист, но эта знаменитая работа относится к романтическому периоду карьеры. Автопортреты были способом творческого самовыражения для мастера.

На портрете изображен молодой человек лет 20-25-ти с широко раскрытыми глазами, мертвенным цветом лица, но при этом с розоватыми щеками и темными волосами. Усы и бородка отражают напряженное состояние, а беспорядочно воздетые к голове руки выражают отчаяние, а, возможно, и некий страх.

Мрачный фон, краски картины угрюмы. Но, самое интересное, это не отталкивает зрителя, а наоборот притягивает, и ужас, который видно по лицу персонажа невооружённым взглядом, как ни парадоксально, привлекает внимание.

Пабло Пикассо (1881-1973) - испанский и французский[5] художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер.

Испанец рисовал себя на протяжении всей жизни. Существуют десятки автопортретов Пикассо — от крайне реалистичных до тех, что идеально вписываются в каноны кубизма. Интересно, что на самом известном автопортрете «голубого» периода художник меньше всего похож на себя.
В 1901 году у него умер близкий друг Карлос Касагемас и Пикассо очень переживал.

«Голубой период» вырос из горечи потери, чувства вины, ощущения близости смерти…
Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв» (П.Пикассо)
Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются "одиночество", "боль", "страх", "вина". В этот период его картины никто не покупал, а он часто метался между Испанией и Францией, каждая из которых по-своему давили на него.

Но именно «голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера, несмотря на все еще звучащие ноты влияний. В это время появятся такие шедевры как "Свидание (Две сестры), «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком «сестры)", "Трагедия", "Старый еврей с мальчиком".

Зинаи́да Евге́ньевна Серебряко́ва ( 1884-1967,) — русская художница

Картина создана зимой 1909 года в небольшом имении Нескучное. Художнице - 25 лет. Она ждала мужа, возвращавшегося из Северной Сибири, чтобы забрать ее и дочерей и затем уехать в Петербург, где планировали встречать Рождество.

То утро выдалось ослепительно солнечным и морозным. Счастливая молодая женщина проснулась в залитой светом комнате, встала, и подойдя к зеркалу, улыбнулась своему милому отражению, а затем стала расчесывать свои волосы.

Незатейливый сюжет, милые женские безделушки на столе перед зеркальной рамой – флаконы, спицы, отраженная в зеркале свеча, простой интерьер деревенской комнаты за спиной.

Стройное, красивое, едва прикрытое женское тело, кокетливо приспущена с левого плеча бретелька ночной сорочки, серебряный браслет на запястье правой руки, которая удерживает длинные, пышные темные волосы. В левой руке расческа. Картина полна солнечного света и чистого воздуха.Доминирующий акцент картины – взгляд черных, озорных, счастливых глаз, которые наполнены радостью жизни, энергией молодости и глубокой душевностью.

В приподнятом изгибе черных бровей, в полуулыбке ярких сочных губ, в игривом повороте головы читается простое человеческое счастье.
«Автопортрет» является экспонатом Третьяковской галереи.

Экскурсию по галерее Автопортретов можно продолжать и продолжать…. Так что продолжение следует.

Настоящие Художники всегда вкладывают в свои работы душу, вдохновение, стремятся донести до публики не только зрительный образ, но и сами мысль и чувство, и мы это чувствуем

В заметке использована музыка Альфреда Шнитке. Фуга из "Сюиты в старинном стиле".
#живопись