Музыка — бесценный, волшебный, священный дар богов и величайших пророков. Прекрасные Музы, дочери Зевса, изображались с флейтой и лирой, египетская богиня Исида — с систром, индийская Сарасвати — с лютней… Музы — вечно юные вдохновительницы, спутницы людей творческих, мыслящих — испокон века сопровождают людские души на пути к свету и истине. Согласно легендам, именно Музы подарили людям первые музыкальные инструменты.

Самые древние инструменты с многотысячелетней историей — ударные, передающие биение жизни, пульс Вселенной, где все циклично и упорядочено и подчинено определенному ритму. Духовые символизируют дыхание Вселенной, вдыхают жизнь, вдохновляют и одухотворяют. Первая флейта (флейта Пана) была рождена из тростника, в который превратили боги нимфу по имени Сиринга. Струнные издавна считались сакральными инструментами, их сравнивали с человеком: корпус — физическое тело, струны — нервы, жилки, а также тонкие душевные струны, которые вибрируют и резонируют, согласуясь со священными струнами. В диалоге под названием «Государство» Платон называет арфу, кифару, лиру полезными инструментами. Эолова арфа, названная так в честь Эола — повелителя ветров, оживающая за счет колебания струн от порывов ветра, не нуждалась в музыканте, ведь сам бог согревал ее своим дыханием. На Востоке считали, что Музыка живет в музыкальном инструменте в некоем дремлющем, непроявленном состоянии; чтобы проявить Божественное, излить звуковой поток, родиться в явленном мире, нужен Музыкант. Музыкант высказывается на таинственном, божественном языке, универсальном языке человечества. Музыка — искусство звука, это язык тонов, обертонов, ладов, интервалов, то, что в Древней Греции называли гармония или гармоника. Звук — это первоэлемент, изначалье, основа, смысл всего. Говорят: «Вначале было слово», но слово родилось из звука, звук предшествовал слову. Звук — сила, носитель энергии, сила, творящая мир, ведь любое действие звучит! Звук — проводник и связующая нить между человеческим и божественным. Сила звука или сила слова организует действие, утверждает, дает силы для реализации, осуществления, материализации, проявления, а затем закрепляет, утверждает результат.

Восточные мудрецы считали, что музыка изначально находится в безмолвии, это внутренняя тишина, внутренний покой, внутренняя гармония, которые божественно звучат. И поэтому очень важно слышать тишину внутри себя. Музыка рождается из тишины, звуки появляются из тишины. И, следуя за звуком, можно пережить его жизнь — от рождения до угасания. Вибрация струнных инструментов — гитары, скрипки, виолончели, арфы — затрагивает внутренние струны души. И там, внутри нас, уже существует вибрация — внутренний трепет окрыленной и вдохновленной Души. На концерте виолончелиста или скрипача можно увидеть, что еще до того, как начинает появляться звук, до того, как музыкант проводит по струнам смычком, инструмент уже вибрирует. Казалось бы, звука еще нет, а он уже вибрирует. Вибрация усиливается, когда смычок касается струн, и продолжается после снятия звука. Обратите внимание: есть состояние «до звука» — его предслышание, предощущение, есть сам звук, который проявляется и затем вновь уходит во внутреннее состоя¬ние, в тишину, есть «послезвучие». В восточной традиции считалось, что у звука есть двери, которые можно открыть, войти в звук, словно в «портал», и там увидеть святилище, где обитает Бог. Именно так с древнейших времен через звук ощущали связь с божественным, поэтому отношение к звуку было особым. Иными словами, то, что мы говорим и как произносим, с какой энергией, с каким смыслом, влияет на окружающий мир, имеет резонанс и отражение вовне. Известно, что голосовые и звуковые вибрации способны воздействовать на клеточном уровне. И в то же время, «нам не дано предугадать, как слово наше отзовется»…

С древнейших времен люди знали и про исцеляющую силу музыки. Пифагор говорил: «Музыка благотворно действует на здоровье, если заниматься ею подобающим образом». «Музыка необходима для врачевания души и исцеления тела». В Пифагорейской школе было принято в конце дня, перед сном, всем ученикам очищать свой разум при помощи песнопений и гимнов. Все, что произошло с нами в течение дня, должно остаться в этом дне и уйти вместе с ним. Пение колыбельных песен — это практически то же самое. Когда ребенок засыпает и мама поет ему колыбельную песню, он чувствует себя защищенным, нужным и любимым. Ему хорошо, и он расслабляется, потому что колыбельные песни очень тихие, спокойные, нежные. И так, слушая родной мамин голос, «отпуская» все события дня, он уходит в сон. В то же время в колыбельных песнях, если почитать их тексты, мы найдем множество добрых пожеланий и красивых образов, настраивающих на хороший сон, на благополучное будущее и на хорошее начало нового дня. В Италии были чрезвычайно популярны тарантеллы. Чаще всего эта музыка исполнялась странствующим оркестром, люди под нее танцевали. Таким способом они должны были исцелиться от тарантизма — психического заболевания, вызванного укусом тарантула — ядовитого паука. Музыка тарантелл очень продолжительная, в ней много повторений, она звучит в очень быстром темпе. Эта музыка должна была вызвать у человека определенные телесные реакции — он уже не мог усидеть на месте и начинал танцевать. Так как это повторялось многократно и с ускорением темпа, эффект был удивительным: человек «вытанцовывал» свою болезнь и выздоравливал. Если вы послушаете тарантеллу, то почувствуете, насколько эта музыка живая, темпераментная, огненная. В этом огне, который разгорался внутри человека, и сгорали все недуги.

В восточной традиции было принято относиться к звуку как к звуковому потоку, то есть как к объекту созерцания. Музыкальные инструменты издавали плавающие, скользящие звуки, богатые обертонами, с большим количеством мелизмов. Их сложно зафиксировать: здесь множество неуловимых оттенков, звук все время находится в движении, подобно стихии, потоку, и записать, зафиксировать эти мельчайшие изменения практически невозможно. Поэтому восточная традиция очень импровизационна. В отличие от этого, в западной традиции звуки фиксировались по высоте и протяженности с математической точностью.

Музыку стали записывать благодаря тому, что появились ноты — знаменитые до, ре, ми, фа, соль, ля, си — и нотные знаки. Названия нот впервые записал, зафиксировал музыкант и математик Гвидо из Ареццо в начале XI века. До этого музыка записывалась невмами — некими приблизительными графическими знаками. Но знаем ли мы о том, что названия нот — это слоги из молитвы, посвященной святому Иоанну?

Итак, первая нота называлась Ut, потому что первая строчка этой молитвы была следующая: Ut queant laxis. Далее: Resonare fibris, Mira gestorum, Famuli tuorum, Solve pollute, Labii reatum. Ноты cи не было, но была последняя строчка: Sancte Ioannes, то есть Святой Иоанн, и поэтому по первым буквам: Sancte и Ioann — получилась нота cи. В переводе эта молитва звучит примерно так: «Дай нам чистые уста, чтобы мы могли всей силой голоса свидетельствовать о чудесах твоих деяний». В таком виде: ут, ре, ми, фа, соль, ля, си — ноты просуществовали вплоть до XVII века, когда первую ноту ут заменили на ноту до (от Dominus — Господь). По другой версии о происхождении нот, в основе их названий лежит связь с Творцом и Творением, то есть связь с космосом и Вселенной: До — Dominus, или Господь. Ре — Rerum, Материя, или Regina Astris — царица звезд (Regina — царица, или Луна). Ми — Miraculum, чудо, или Mixtus Orbis — место, где смешиваются добро и зло. И это место называется Земля. Фа — от Fatum, судьба, или Familias Planetarium — семья планет, то есть Солнечная система, Солнечная семья. Solatus — Солнце — дало название ноте соль. Lactea via — Млечный путь — нота ля. Нота си — Sidereus Orbis — звездное небо.

Но еще до нашей эры Пифагор ввел буквенное обозначение нот, которыми пользуются и по сей день все музыканты. Их тоже семь. F (фа) — C (до) — G (соль) — D (ре) — A (ля) — E (ми) — H (си). Эта последовательность совершенных интервалов — квинт — называется пифагоров строй. Именно такой строй имеют струнные инструменты. Например, скрипка имеет четыре струны: G «соль», D «ре», A «ля», E «ми»; у виолончели тоже четыре струны: С «до», G «соль», D «ре», A «ля». В XX веке композиторы создают музыку, например, «в тоне A», или «в тоне C», то есть обозначают основной тон, который дает определенное звучание, или определенный характер, как говорили древние греки. Философию и музыку объединяет понятие этос, что означает «характер», «нрав». В древней Греции, например, звукоряду от тона С «до» приписывали качества смелости и мужественности, звукоряд от тона E «ми» действовал на человека возбуждающе, а от тона «фа» имел характер печали и грусти. Таким образом, у каждого тона был свой нрав, свой характер. И это великое изобретение Пифагора — великого математика, музыканта, философа, который экспериментировал со звуком, создал систему консонансов, то есть гармоничных, согласованных созвучий, которые подчинялись простейшим числовым соотношениям 2/1, 3/2, 4/3. Число для него было универсальным, вечным. Он стремился к четкой и точной фиксации звука. В современной нотации есть точная звуковысотность, есть числовые соотношения между звуками, как в математике. Музыка — это организованные, упорядоченные звуки. В музыке есть размер, который фиксируется в виде обыкновенной дроби, есть ритм, есть различные ритмические рисунки, есть такты. Пифагор пришел к выводу, что чем проще числовое соотношение между звуками, тем совершеннее интервал. Не так ли и в отношениях между людьми: чем проще, тем совершеннее? Соотношение один к одному — это унисон. Говорят: «сердца звучат в унисон», «все мыслят в унисон», «находятся на одной волне» — вот что такое унисон. А соотношение один к двум — октава. Тот же самый тон, только выше. Cоотношение два к трем — квинта — чистый интервал, который лежит в основе пифагорова строя. И, наконец, соотношение три к четырем — кварта. Cвои эксперименты с интервалами Пифагор проводил при помощи монохорда (от моно «один», хорда «струна»). Одна струна, натянутая на какую¬либо подставку, с помощью специального приспособления, которое называлось плектр, делилась, или пережималась, в разных местах на части. Если струна удлинялась, звук становился ниже, если же струна укорачивалась, то и звук становился выше и тоньше. Если заглянуть внутрь пиа­нино или рояля, то мы увидим, что верхним регистрам соответствуют короткие и тонкие струны, а нижним нотам — длинные и толстые. То есть чем длиннее струна, тем ниже звук. И монохорд, таким образом, был прообразом всех будущих клавишных инструментов, потому что существовала такая поперечная шкала, подобие современных клавиш, которая фиксировала определенный звук в определенном месте. ( На фото: Гвидо д'Ареццо, автор системы сольмизации, дает на монохорде урок пения своему ученику Теодалю. 990–1050 гг. Национальная библиотека, Вена)

Пифагор также говорил о «музыке сфер». По его представлениям, во Вселенной натянута гигантская струна, одним концом уходящая в небо, а другим концом — в землю, то есть одним концом направленная к Абсолютному духу, а другим концом — к Абсолютной материи. И эта струна звучит. Не так ли и человек? Ногами он твердо стоит на земле, а голова его направлена к небесам, то есть Человек тоже является струной, на которой играет сам Бог. Кроме того, звучат планеты, созвездия, все, что существует, имеет свой голос, все, что движется, — звучит! В 1914–1916 годах английский композитор Густав Холст создает сюиту для оркестра, которую называет «Планеты», где пытается записать эту музыку сфер в семи частях по количеству планет: Марс — вестник вой­ны, Венера — вестница мира, Меркурий — крылатый посланник, Юпитер — приносящий радость, Сатурн — вестник старости, Уран — волшебник и Нептун — мис­тик. Очень интересно услышать, как Густав Холст средствами оркестра, тембрами передал характер и звучание планет.

Музыка разворачивается, становится, проявляется во времени. Музыка подобна реке, вечно движущемуся и изменчивому водному потоку. Когда мы слушаем музыку, особенно живое исполнение, мы словно погружаемся в этот звуковой поток. И как нельзя войти в одну и ту же реку дважды, так не бывает двух одинаковых исполнений, даже если перед нами тот же исполнитель, тот же инструмент и то же произведение. Ведь исполнение музыки, как и слушание ее, — это упражнение души, это работа сердечная, душевная и духовная. И всякий раз, слушая живое исполнение, мы можем прикасаться к этому «вечно движущемуся образу вечности», видеть «отблеск запредельного», слышать послания, советы и заповеди, зашифрованные в музыкальных творениях.

Музыка разворачивается, становится, проявляется во времени. Музыка подобна реке, вечно движущемуся и изменчивому водному потоку. Когда мы слушаем музыку, особенно живое исполнение, мы словно погружаемся в этот звуковой поток. И как нельзя войти в одну и ту же реку дважды, так не бывает двух одинаковых исполнений, даже если перед нами тот же исполнитель, тот же инструмент и то же произведение. Ведь исполнение музыки, как и слушание ее, — это упражнение души, это работа сердечная, душевная и духовная. И всякий раз, слушая живое исполнение, мы можем прикасаться к этому «вечно движущемуся образу вечности», видеть «отблеск запредельного», слышать послания, советы и заповеди, зашифрованные в музыкальных творениях.

Автор Наталья Гущина,солистка челябинской филармонии (фортепиано), лауреат международных конкурсов. "Музыка воодушевляет весь мир" - Платон. "Музыка есть ключ к человеческой душе" - М. Юдина. "Без музыки жизнь была бы ошибкой" - Ф. Ницше. "Музыка, подобно дождю, капля за каплей просачивается в сердце и оживляет его" - Р. Роллан. "А что если все существа живой природы — лишь эоловы арфы различных очертаний, вибрации которых превращаются в мысли, словно бы сквозь них, текучий и безбрежный, проносится разумный ветер, что одновременно — и душа каждого, и бог всех?" - С.Кольридж. "Музыка своей мелодией доводит нас до самого края вечности и дает нам возможность в течение нескольких минут постичь ее величие" - Т. Карлейль. Ссылка на источник: https://www.bez-granic.ru/index.php/art/2235-istoki-muzyki.html