Сто фактов об искусстве

Представьте: конец XVI века, протестантская Голландия, строгие нравы. И вдруг художник пишет полотно, на котором обнажённые тела сплетаются в языческом празднике. Как это вообще стало возможным? Корнелис Корнелиссен ван Харлем создал «Золотой век», известный также как «Вакханалия» и Блудный сын среди блудниц, в 1615 году. . Это масло на холсте, и размеры впечатляют: примерно 214 на 163 сантиметра. Полотно буквально затягивает зрителя внутрь. Чтобы понять эту картину, нужно знать, кем был её автор. Корнелис родился в Харлеме в 1562 году. Учился у Питера Питерса, потом отправился во Францию и, вероятно, в Антверпен. Но главное влияние на него оказал не конкретный учитель, а целое направление: итальянский маньеризм. Работы Микеланджело и Бартоломео Спрангера сформировали его понимание человеческого тела как инструмента выражения. В Харлеме он быстро стал одной из ключевых фигур. Вместе с Хендриком Гольциусом и Карелом ван Мандером создал так называемую Харлемскую академию. Это не было ака

Лондонская Национальная галерея - музей необычный. Она выросла не из королевского собрания, а из покупки: в 1824 году государство приобрело коллекцию банкира Ангерстайна - тридцать восемь картин за пятьдесят семь тысяч фунтов. С тех пор она стоит на Трафальгарской площади как собрание, принадлежащее всем. Посещение галереи бесплатно для всех. Сегодня в ней более двух тысяч трехсот полотен. Но если у вас только один день - вот пятнадцать картин, по которым можно пройти всю историю европейской живописи. От зеркала ван Эйка до тигра Руссо. Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 - Национальная галерея, Лондон. Купец из Брюгге и его жена стоят в комнате, где каждая вещь - слово: собачка, туфельки, четки, свеча. Их соединенные руки - почти подпись под брачным договором. Но главное - в центре. Выпуклое зеркальце над спинкой скамьи отражает две фигуры у двери: скорее всего, самого ван Эйка и свидетеля. А над зеркалом выведена надпись: "Ян ван Эйк здесь был". Художник вписал себя в картину

Представьте бассейн, куда заходят дряхлые старухи, а выходят молодые красавицы. Звучит как сюжет фантастического фильма? Лукас Кранах Старший написал это в 1546 году. Я долго не могла понять, почему эта картина так притягивает. Она яркая, почти карнавальная. И при этом абсолютно серьёзная по замыслу. Кранах не шутил. Он работал с мифом, в который верили тысячи людей. Кранах написал «Источник молодости» за 7 лет до смерти. Ему было 74 года. Вдумайтесь: старик, который сам нуждался в чудесном омоложении, создаёт картину о вечной молодости. В этом совпадении я вижу не иронию, а тоску. Очень человеческую тоску. Работа хранится в Берлинской картинной галерее. Размер внушительный: 122 на 186 сантиметров. Дерево, масло. Кранах выбрал горизонтальный формат, что необычно для его времени, когда религиозные и мифологические сюжеты чаще вписывали в вертикаль. Что мы видим на картине? Слева подъезжают повозки со старыми женщинами. Некоторых несут на носилках, других везут в телегах. Их тела скрючен

В декабре 1851 года в дешевом доме на окраине Челси умер человек, называвший себя "мистер Бут". Хозяйка дома не подозревала, что ее жилец - один из величайших художников Англии. Это был Уильям Тёрнер: скряга, чудак, сын цирюльника, завещавший государству три сотни картин маслом и около девятнадцати тысяч рисунков. И - человек, который писал свет, бурю и скорость за сто лет до импрессионистов. Он родился в 1775 году в лондонском Ковент-Гардене. Отец держал цирюльню и с гордостью выставлял в витрине раскрашенные сыном гравюры. Мать страдала душевной болезнью: в 1800 году ее поместили в госпиталь Святой Марии Вифлеемской, а через четыре года она умерла. Отец стал главным помощником сына на всю жизнь. Уильям Тёрнер, "Вид на дворец архиепископа, Ламбет", 1790 - Художественный музей Индианаполиса. Первая акварель, выставленная Королевской академией, когда автору было пятнадцать. Топографически точная, спокойная - ничто еще не предвещает бурь. Уильям Тёрнер, "Автопортрет", 1799 - Британская

Её часто путают с работой отца. И в этой путанице, кстати, кроется главная проблема Доменико Тинторетто: он всю жизнь существовал в тени Якопо, одного из величайших венецианских мастеров XVI века. Но «Дама, обнажающая грудь» заслуживает отдельного разговора. Я впервые увидел репродукцию этой работы в каталоге музея Прадо, и она меня остановила. Не откровенностью, а взглядом женщины. Прямым, спокойным, почти вызывающим. Картина написана маслом на холсте, предположительно в 1580–1590-е годы. Перед нами поясной портрет молодой женщины, которая одной рукой приоткрывает ворот рубашки. Волосы уложены по венецианской моде того времени, на шее тонкая нитка жемчуга. Фон тёмный, почти чёрный, и вся композиция строится на контрасте светлой кожи и глубокой тени вокруг фигуры. Рентгенография показала, что изначально молодая женщина была повернута лицом к зрителю, но позже Доменико изобразил её в профиль. А теперь о том, кто это написал. Доменико Тинторетто родился в 1560 году в Венеции. Он был стар

Почти век шедевр Рубенса прятался под чужим именем: картину считали работой забытого ученика и хранили в частных коллекциях. В 2002 году тайна раскрылась на торгах Sotheby’s — и мир ахнул: 49,5 миллиона фунтов стали рекордом для старого мастера. "Избиение младенцев“ — полотно, которое не даёт отвести взгляд и не позволяет остаться равнодушным. Весь сюжет умещается в три строки Евангелия от Матфея: царь Ирод, испугавшись вести о родившемся царе иудейском, велит убить в Вифлееме всех младенцев до двух лет. Никаких деталей, никаких лиц - только страшная кратость приказа. Именно эту кратость и любили живописцы: текст оставлял свободу. Но то, что сделал с ним Рубенс около 1612 года, не смог повторить никто - ни до, ни после. На дубовой доске - не сцена, а буря. Тела скручены в один узел: солдаты вырывают младенцев, матери вцепились в них, и снова руки, руки, руки - хватающие, отрывающие, заслоняющие. Рубенсу около тридцати пяти, он недавно вернулся из Италии и уже назначен придворным художн

В русской живописи XIX века крестьянская тема стала одной из главных. Художники-реалисты всё чаще обращались не к парадным портретам и историческим сценам, а к повседневной жизни простого человека: к избе, семье, труду, детству, заботам и редким радостям. Особенно трогательно в этом мире звучала тема крестьянских детей - маленьких героев, чья жизнь с ранних лет была связана с работой, бедностью, семейной ответственностью, но также с игрой, любопытством и надеждой. В XIX веке художники подробно изображали внутренний мир крестьянского дома. Изба на таких полотнах - не просто фон, а самостоятельный рассказ о быте. Здесь нет случайных деталей: лавки, сундуки, горшки, кадушки, ткацкий станок, печь, посуда - всё говорит о повседневном укладе семьи. Через эти предметы зритель видит не только бедность или достаток, но и саму логику деревенской жизни, где каждая вещь необходима. Неизвестный художник, «Сцена в крестьянской семье», середина XIX века, Государственный Русский музей. Эта картина осо

Василия Сурикова часто вспоминают как живописца исторических потрясений. На его полотнах - стрелецкая казнь, народный бунт, ссылка Меншикова, покорение Сибири, переход суворовской армии через Альпы. Но за этими грандиозными полотнами стояла очень личная история - короткое семейное счастье, две дочери и глубокая привязанность к жене Елизавете, которую в семье ласково называли Лилей. Именно после ее смерти жизнь художника изменилась навсегда. Василий Иванович Суриков родился в 1848 году в Красноярске, в семье сибирских казаков. Рано потеряв отца, он воспитывался матерью Прасковьей Федоровной. Благодаря ее поддержке Суриков смог уехать в Петербург и поступить в Академию художеств. В столице он познакомился с Елизаветой Августовной Шаре. По семейным воспоминаниям, впервые они встретились в католическом костеле, куда Суриков приходил слушать органную музыку. Елизавета была моложе художника примерно на десять лет. Ее отец, Огюст Шаре, был французом, а семья матери, Марии Свистуновой, была св

Его картины висели в миллионах домов - от Лондона до Кейптауна. Их печатали огромными тиражами, продавали в универмагах и вставляли в недорогие рамы. Искусствоведы морщились, называя Владимира Третчикова «королём китча», а публика скупала репродукции. Самой знаменитой стала загадочная женщина с бирюзово-зелёным лицом и ярко-красными губами - «Китаянка», больше известная в англоязычном мире как The Chinese Girl или Green Lady. Третчиков не вписывался ни в академическую традицию, ни в авангард. Он не хотел быть понятным лишь подготовленной публике. Художник сознательно писал ярко, декоративно, эмоционально - так, чтобы картина действовала сразу. И, возможно, именно поэтому его до сих пор невозможно однозначно определить. Из Петропавловска в Харбин Владимир Григорьевич Третчиков родился в 1913 году в Петропавловске - тогда это был город Российской империи, сейчас он находится в Казахстане. После революционных событий семья оказалась в Харбине. Этот город в Маньчжурии в первой половине XX

Мир, где лес обладает характером, замок хранит тайну, туман скрывает волшебных существ, а старинная легенда кажется частью повседневной жизни. Его картины не стремятся поразить зрителя виртуозной анатомией, драматическими эффектами или роскошью колорита. Швинд предлагает другое. Он родился в 1804 году в Вене, а умер в 1871-м в Мюнхене. За свою жизнь Швинд успел поработать в нескольких художественных центрах Германии, создать масштабные фресковые циклы, книжные иллюстрации, акварели, литографии и картины на сюжеты немецких преданий. Сегодня его вспоминают прежде всего как одного из главных мастеров немецкого романтизма и художника, сумевшего придать национальному фольклору цельный визуальный образ. Швинд происходил из образованной венской среды. Его отец занимал должность советника при дворе, а сам Мориц с юности оказался вовлечён в культурную жизнь Вены. Важную роль в его становлении сыграла дружба с композитором Францем Шубертом и общение с литераторами и музыкантами. Эта связь с музы