Артфикшн

Эта мрачная картина уже много лет появляется на обложках книг и музыкальных альбомов, угадывается в фотосессиях Леди Гаги и в кадрах голливудских фильмов. До этого она вдохновляла Пабло Пикассо и Эдварда Мунка. И уже две сотни лет этот шедевр Жака Луи Давида заставляет нас сопереживать тирану, благодаря которому тысячи людей были приговорены к казни. Жан-Поль Марат, когда-то бывший врачом, во время Французской Революции стал главным пропагандистом якобинского террора. Он стал издавать газету «Друг народа», которая мгновенно стала популярной. Он публиковал в ней статьи, обличавшие «врагов народа», на основе которых (часто без каких-либо других доказательств) выносились приговоры о казни. Марат страдал тяжёлой формой себорейного дерматита. Он постоянно испытывал сильный зуд, воспаления и шелушения. Чтобы облегчить боль он постоянно принимал ванну, сидя в ней он работал и даже принимал посетителей. Одним из таких посетителей 13 июля 1793 года стала молодая провинциальная дворянка Шарлотта

«Весна» Сандро Боттичелли сочетает в себе свадебное наставление, строки из великих античных поэм, христианские аллегории и языческие мифы. Она была заказана в 1482 году Лоренцо Медичи Великолепным (де-факто правившим Флоренцией в то время) по случаю женитьбы своего племянника, Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, на Семирамиде Аппиано. Хотя свадьбу сыграли летом, изначально её планировали устроить в мае (отсюда и весенняя тематика картины). Хотя привычное нам название она получила уже гораздо позже. Действие разворачивается в апельсиновом саду — символе рода Медичи (из-за созвучия в итальянском языке). В центре стоит Венера, богиня любви. Слева от неё танцуют три грации, покровительницы искусств и частые спутницы Венеры. Их позы повторяют античные скульптуры и фрески. Ещё левее Меркурий разгоняет грозовые облака своим кадуцеем (жезлом, обвитым двумя змеями и увенчанный крыльями, атрибут Меркурия). Картина почти дословно иллюстрирует строки из поэм «О природе вещей» Лукреция, изображая прих

Долгие годы эта картина Сандро Боттичелли называлась «Паллада и кентавр», где мудрая Афина Паллада укрощает пороки и животное начало в лице кентавра. Но сегодня традиционное название часто подвергается критике. По версии ряда исследователей, в доспехах предстаёт не Афина, а амазонка Камилла — дева-воительница, служительница Дианы, вскормленная кобылицей. Вооружённая алебардой, Камилла властно удерживает кентавра за волосы. Их противостояние — вариация извечной темы: разум против инстинкта, целомудрие против похоти, добродетель против порока. Этот неоплатонический подтекст делает картину подлинным гимном флорентийского гуманизма. На одеянии Камиллы мы видим эмблемы дома Медичи. Эта картина была исполнена по заказу Лоренцо Медичи Великолепного для свадьбы Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи (двоюродного брата Лоренцо Великолепного) и Семирамиды Аппиано. Политический брак был тщательно организован главой рода, и живописный дар стал частью свадебного подарка. Инвентарные описи дворца Медичи

Когда Диего Веласкес приехал в Италию в 1650 году, он был там никому не известным испанским художником. Чтобы выделиться из толпы итальянских мастеров, он пошёл на гениальный рекламный ход: написал портрет своего слуги Хуана де Парехи и заставил того вместе с этим портретом показываться на глаза богатым итальянцам. Так стала распространяться слава о виртуозном испанском художнике. Вскоре Веласкесу заказал портрет сам Папа Римский! При работе над этой картиной Веласкес вдохновлялся портретами папы Павла III работы своего любимого художника - Тициана Вечеллио. И так же, как он, вписал свою подпись в пространство картины. На листке, который держит в руках Иннокентий Х, можно разобрать надпись: «Наисвятейшему Папе Иннокентию Х. Диего да Сильва-Веласкес, придворный живописец Его величества католического короля». Сам папа изображён энергичным, подозрительным и мстительным, ведь он был в состоянии постоянного противостояния со многими сильными политиками своего времени: кардиналом Мазарини

Когда смотришь на «Масленицу» Бориса Кустодиева, кажется, что художник стоял на холме и наблюдал за сценой народного гуляния. Но на самом деле, в момент написания картины он был практически обездвижен из-за опухоли спинного мозга и многочисленных операций. А его мир сузился до размеров комнаты в петербургской квартире. Но в его памяти возникали удивительные сцены русской жизни, которую он любил: масленичные гуляния, ярмарки, чаепития. Его воображение дорисовывало эти сюжеты и превращало в жизнерадостные картины. Кустодиев создал уникальный художественный язык, соединив, казалось бы, несовместимое: нидерландскую живопись и русский лубок. От Питера Брейгеля Старшего он взял его знаменитый «верхний» ракурс, позволяющий целиком охватить панораму, и любовь к множеству мелких сцен, каждая из которых живёт своей жизнью. А от лубочных картинок — яркие, чистые цвета и декоративность. Кустодиев родился в масленичный четверг, так что он особенно любил этот праздник и часто обращался в воспоминан

На картине «Поцелуйный обряд» Константин Маковский показывает не просто старинный обычай. В этой сцене целая драма. Картина посвящена старинному ритуалу чествования гостей, описанному иностранными послами в XVII веке: после трапезы хозяйка каждому почётному гостю подносила кубок с вином, отпив из него, а затем скромно опустив взор, принимала от гостей поцелуи. Маковский изобразил не просто церемонию, а момент напряжённой драмы: старый боярин ревниво следит за молодой женой, подозревая её в тайной связи с гостем. Этот сюжет он взял из романа Алексея Толстого «Князь Серебряный. Повесть времён Ивана Грозного», где во время такого обряда жена боярина Морозова Елена выдала свои чувства к гостю - главному герою романа князю Никите Серебряному. Картина была впервые показанна на Всероссийской выставке в Нижнем Новгороде в 1896 году и вскоре пополнила коллекцию Русского музея. В ней воплотилась не только любовь художника к историческим деталям, но и его умение превратить бытовую сцену в зрелище

Константин Маковский. Боярский свадебный пир. 1883. Музей Хиллвуд, Вашингтон, США Если бы традиционный русский костюм заговорил, он рассказал бы свою историю через кокошник. Ведь в каждом регионе этот головной убор «звучал» по-разному. Слово «кокошник» происходит от древнерусского слова «кокошь», означавшего «курица» или «наседка». Считается, что прижилось оно благодаря характерной форме, напоминающей пышный куриный гребень. Хотя точных данных о сакральном смысле убора не сохранилось, этнографы полагают, что связь с птицей могла символизировать здоровье и многодетность владелицы. На Руси головные уборы строго разделялись по семейному статусу. Девушки до замужества могли украшать волосы венцами, оставляя на виду свою косу — главную гордость красавицы. Василий Суриков. Посещение царевной женского монастыря. 1912. Третьяковская галерея, Москва Замужние же женщины обязаны были полностью прятать волосы, и кокошник, надежно скрывавший прическу, стал важнейшим атрибутом их статуса. Обычно ко

Якоб Йорданс. Бобовый король. Около 1638. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия Якоб Йорданс изобразил популярный во Фландрии праздник Богоявления, известный также как День трёх волхвов, который праздновали 6 января. Главным ритуалом торжества было выпекание особого пирога с сюрпризом внутри. Чаще всего это был боб. Он символизировал Вифлеемскую звезду, которая указала волхвам путь к новорожденному Иисусу Христу. Ян Госсарт. Поклонение волхвов. 1510–1515. Национальная галерея, Лондон, Великобритания В верхней части картины в центре видна Вифлеемская звезда. Тот, кому доставался кусок с бобом, объявлялся «Бобовым королём» и возглавлял торжество. Он выбирал себе королеву и назначал свиту, а остальные гости должны были подчиняться его шуточным указам. Они восклицали: «Король пьёт! Да здравствует король!» — что и дало картине её второе название. Иногда вместо боба клали орех или монетку. Слева; Якоб Йорданс. Бобовый король (деталь). Около 1638. Государственный Эрмитаж, Санкт-Пет

Знаменитая картина нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего «Охотники на снегу» относится к циклу «Времена года». Большинство учёных сходятся во мнении, что изначально в нём было 6 картин, из которых до до нас дошло только 5. Сегодня мы представляем себе подобный цикл или в четырех картинах, соответствующим временам года, или в 12, соответствующим количеству месяцев. Но в XVI веке в Нидерландах год делился на шесть периодов: помимо осени и зимы были ранняя и поздняя весна, а также раннее и позднее лето. Традиционно в подобных сериях изображали бытовые занятия и развлечения, характерные для каждого времени года. Ранней весне соответствует картина «Хмурый день» («Сумрачный день»), раннему лету – «Сенокос», позднему лету - «Жатва», осени - «Возвращение стад», зиме - «Охотники на снегу», а поздняя весна утрачена. Все картины были выполнены в 1565 году, в зрелом периоде творчества Брейгеля. Заказчиком серии был Антверпенский купец Николас Йонгелинк, картины предназначались для ук