Артём Гришин про фотографию

У него снимки хуже моих, а клиенты в очереди стоят. Знакомое чувство? Давайте разберёмся, почему так происходит. Это одно из самых болезненных наблюдений, с которым сталкиваются начинающие фотографы. Ты вкладываешься в развитие, учишь свет, композицию, обработку, делаешь сильные работы. А потом видишь коллегу, чьи снимки объективно слабее — но у него стабильный поток клиентов, расписание забито, и он зарабатывает на фотографии. Можно хорошо работать со светом, делать выразительные фотографии и иметь сильное портфолио, но годами не получать заказов. Потому что само по себе качество работ ещё не делает фотографа востребованным. Портфолио — это витрина. А витрина работает только тогда, когда мимо неё ходят люди. Недостаточно просто хорошо фотографировать. Нужно ещё разрешить себе проявляться. Именно здесь многие останавливаются. И на это есть несколько причин. Страх проявляться. Выложить работу — значит открыться для оценки. А вдруг не оценят. Вдруг раскритикуют. Проще не выкладывать. Стр

Есть фотографии, на которых взгляд задерживается почти автоматически. Даже если сюжет довольно простой, в них что-то работает сильнее обычного. Очень часто причина оказывается в цвете. Один из самых эффектных вариантов — сочетание красного, жёлтого и синего. Это классическая триадная цветовая схема, и фотографу полезно понимать, почему она так хорошо работает. Триадная схема строится на трёх цветах, расположенных на цветовом круге примерно на одинаковом расстоянии друг от друга. В классическом варианте это как раз красный, жёлтый и синий — три первичных цвета. Их сочетание даёт сильный цветовой контраст, но при этом сохраняет ощущение баланса. Именно поэтому кадр может выглядеть одновременно ярким и собранным, а не случайно пёстрым. Красный, жёлтый и синий сами по себе довольно активны. Каждый цвет способен перетянуть внимание на себя, а вместе они создают очень заметное визуальное напряжение. Красный обычно воспринимается как самый энергичный и эмоционально насыщенный. Жёлтый добавля

Этот автор пришел в коммерческую фотографию в середине 1950-х и довольно быстро начал делать то, что для модной съемки того времени выглядело непривычно: вместо красивой демонстрации одежды или обуви он придумывал сцену, в которой рекламируемая вещь могла вообще оказаться далеко не самым заметным объектом. Сегодня этот подход кажется знакомым. На нем построено огромное количество fashion-кампаний. Но во многом привычным его сделали именно фотографы поколения Ги Бурдена. Ги Бурден родился в Париже в 1928 году. В юности его гораздо сильнее интересовала живопись. Он рисовал, занимался графикой и позже продолжал выставлять свои рисунки параллельно с фотографиями. С камерой Бурден всерьез познакомился во время службы во французских военно-воздушных силах. В 1948–1949 годах его направили в Дакар, где он получил первые профессиональные навыки работы с фотографией. После возвращения во Францию продолжил снимать, хотя фотографическая карьера еще не была очевидным выбором. Он занимался живописью

Когда фотограф только начинает снимать, он чаще всего ищет интересный объект. Красивый закат. Необычное дерево. Архитектуру. Человека с выразительной внешностью. Но стоит подняться на несколько десятков метров над землей, и оказывается, что фотография работает совсем по другим законам. Отдельные объекты перестают быть главными. На первый план выходят линии, ритмы, пятна цвета и геометрия. Мир начинает выглядеть как огромная абстрактная картина. Именно это каждый год показывают участники конкурса International Aerial Photographer of the Year. Конкурс появился совсем недавно, но уже стал одной из самых заметных международных площадок для аэрофотографии. В 2026 году организаторы получили 1587 работ со всего мира. Жюри оценивало не только отдельные снимки, но и серии фотографий, а в итоговую книгу вошла 101 лучшая работа. При этом конкурс открыт для любых способов съемки с высоты: дронов, самолетов, вертолетов, воздушных шаров и даже фотографий, сделанных с крыш зданий или горных вершин.

Есть одна ошибка, которую совершают почти все начинающие фотографы. Они начинают избегать теней на фотографии. Если лицо оказалось наполовину в тени — человека разворачивают к свету. Если в кадре появились глубокие темные участки — их стараются высветлить при обработке. Кажется, что хорошая фотография обязательно должна быть равномерно освещена, а чем больше деталей видно в каждой части кадра, тем лучше получился снимок. Но стоит открыть фотографии Кристофера Андерсона, и это убеждение начинает рассыпаться. Андерсон — фотограф агентства Magnum Photos, обладатель Robert Capa Gold Medal и автор десятков репортажей для National Geographic, The New York Times Magazine и Time. Он снимал войны, политические конфликты, гуманитарные кризисы и стихийные бедствия. Казалось бы, за такой карьерой неизбежно должны последовать масштабные проекты в самых разных уголках мира. Произошло совсем другое. Со временем Андерсон все чаще направлял камеру на собственную семью. Появились книги Son, Pia, Marion,

Есть одно убеждение, которое годами мешает людям начать фотографировать. «Вот куплю хорошую камеру, тогда и займусь фотографией». До этого момента кажется, что нет смысла изучать композицию, искать интересный свет или выходить снимать каждый день. Ведь телефон, как принято считать, все равно не способен дать по-настоящему хороший результат. Именно поэтому многие месяцами выбирают фотоаппарат, читают обзоры, сравнивают объективы, но так и не делают ни одного кадра. Каждый год проходит конкурс, который довольно убедительно разрушает эту идею. Речь об iPhone Photography Awards (IPPAwards) — одном из самых известных международных конкурсов мобильной фотографии. Недавно организаторы вновь подвели итоги и выбрали лучшие снимки 2026 года среди десятков тысяч работ, присланных фотографами более чем из 140 стран. Самое любопытное, что многие фотографии победителей невозможно отличить от кадров, сделанных на профессиональную технику. И дело здесь совсем не в том, что камеры смартфонов стали идеа

Наверное, каждый начинающий фотограф хотя бы раз ловил себя на мысли: «Чтобы сделать сильную фотографию, нужна необычная локация.» Хочется отправиться в Исландию, Норвегию, Японию или хотя бы найти заброшенный завод с красивыми лучами света. Кажется, что обычная парковка, склад или супермаркет никогда не станут хорошим сюжетом. А теперь представьте фотографа, который сделал именно такие простые места своим главным объектом съемки и его работы продаются за миллионы долларов. Речь об Андреасе Гурски. В 2011 году его фотография Rhein II была продана на аукционе Christie's почти за 4,3 миллиона долларов, установив мировой рекорд для фотографии на тот момент. Позже этот рекорд менялся, но Гурски до сих пор остается одним из самых дорогих современных фотографов. Самое интересное начинается, когда смотришь, что именно он фотографирует. В его кадре, как правило, оказываются склады Amazon, супермаркеты, офисы, биржи, парковки, жилые кварталы, заводы, многоэтажные дома и обычных людей. И вот зде

В фотографии есть особая категория работ, которые сложно описать словами — не потому что в них нет смысла, а потому что смысл в них существует на том уровне, куда язык добирается с трудом. Фотопроект датского фотографа Сорена Солкера «Чёрное солнце» относится именно к таким работам. Это один из тех редких случаев, когда фотограф находит точку, где реальность и миф перестают противоречить друг другу. Человек, которому доверяли своё лицо Линч и U2 Чтобы понять, почему этот проект стал таким неожиданным поворотом в карьере Солкера, нужно знать, кем он был до него. На протяжении многих лет Сорен Солкер был одним из самых востребованных портретных фотографов мира. Перед его камерой позировали Бьорк, The White Stripes, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, R.E.M. и U2. Его снимали Дэвид Линч. Работы Солкера выставлялись в музеях по всему миру и отличались редким сочетанием: они были одновременно интимными и кинематографическими, близкими и монументальными. Это была блестящая карьера в самом центр

Недавно были объявлены результаты одного из самых авторитетных международных конкурсов цветной фотографии — Color Photography Contest 2026. Работами победителей и призёров хочу поделиться в этой статье, чтобы показать, как цвет влияет на ощущения от фотографии не в теории, а на практике. Предлагаю посмотреть, как именно мастера фотографии используют палитру, чтобы удержать взгляд, передать настроение и выстроить историю. Именно об этом и поговорим сегодня. Не о том, какие цвета «красивые», а о том, как цвет работает как инструмент управления восприятием. Цвет — это не украшение, а язык Прежде чем перейти к конкретным примерам, важно договориться об одном принципе. Цвет в сильной фотографии никогда не является случайным фоном или просто свойством объекта. Это самостоятельный элемент композиции, который несёт эмоцию, создаёт напряжение и выстраивает смысловые связи между частями кадра. И наш мозг реагирует на цвет раньше, чем успевает осознать сюжет. Среди работ победителей этого года

Есть фотографы, которые снимают красивые кадры. А есть те, кто через объектив исследует самих себя. Масахиса Фукасэ — из второй категории. Сегодня хочу показать вам одну из самых необычных фотосерий в истории — проект японского фотографа, который начался с потери и закончился книгой, изменившей представление о том, что вообще такое автопортрет. Как всё началось 1977 год. У Фукасэ появился котёнок по имени Сасукэ. Казалось бы, обычная история. Но фотограф — человек с камерой в руках и взглядом, который не умеет скользить по поверхности. Он буквально перестаёт жить своей привычной жизнью и начинает жить рядом с котом. Ползает по полу, чтобы снимать на уровне кошачьих глаз. Следует за ним по всей квартире. «В каком-то смысле я и сам стал котом», — напишет он позже. Это не метафора. Это буквальное описание того, как работал Фукасэ. Потеря Спустя десять дней Сасукэ исчез. Фукасэ расклеил по всему району сотни объявлений о пропаже. Искал. Ждал. Через какое-то время ему принесли похожего котё