Артём Гришин про фотографию

Наблюдая за развитием начинающих авторов, я часто замечаю одну и ту же закономерность. На старте мы все одержимы формой: ищем идеальный свет, выстраиваем безупречную композицию, боремся за звенящую резкость и чистоту цвета. Но со временем, овладев технической базой, многие заходят в тупик. Кадры получаются эстетически правильными, но абсолютно пустыми. Проблема заключается в том, что зрителя не цепляет матрица вашей камеры или схема расстановки софтбоксов. Зрителя цепляет смысл. По-настоящему сильная фотография начинается там, где автор перестает просто фиксировать реальность и начинает рассказывать историю. Сегодня я хочу познакомить вас с творчеством человека, чье имя является абсолютным синонимом эпичного визуального повествования. Речь пойдет о Себастьяне Сальгадо — одном из величайших фотожурналистов современности. Интересно, что его путь в искусство не был прямым. Сальгадо родился в 1944 году в Бразилии и по образованию был экономистом. Он даже получил степень магистра в Униве

Когда речь заходит о фотографических путешествиях, чаще всего вспоминают Исландию, Норвегию, пустыни Намибии или улицы Токио. Но есть место, которое привлекает по совершенно другой причине. Зимой в Якутске температура может опускаться до –50 °C. Автомобили здесь не глушат сутками, ресницы покрываются инеем за считаные минуты, а воздух настолько холодный, что кажется почти осязаемым. И всё же здесь есть кое-что интересное и для фотографа. Сюда приехал и швейцарский фотограф Стив Юнкер, посвятивший Якутску часть своего масштабного проекта «Экстремальные города». Стив Юнкер не искал экзотики ради экзотики. Его интересовал другой вопрос: как выглядит повседневная жизнь человека в условиях, которые большинству из нас кажутся практически непригодными для существования? Проект «Экстремальные города» был посвящён крупным городам, расположенным в необычных климатических условиях. Якутск оказался идеальным кандидатом. Это не маленький северный посёлок и не научная станция посреди льдов. Здесь ж

Когда мы смотрим на победителей Comedy Pet Photo Awards, легко поверить, что секрет успеха — в удаче. Будто фотограф случайно оказался рядом в нужный момент и успел нажать на кнопку. Но за многими смешными кадрами скрываются совсем другие истории. Иногда фотограф готовится к съёмке заранее и получает совершенно не тот результат, который планировал. Иногда герои кадра сами придумывают сюжет лучше любого человека. А иногда фотография появляется буквально за несколько секунд благодаря внимательности автора. Сегодня предлагаю заглянуть за кулисы нескольких работ из конкурса Comedy Pet Photo Awards и узнать, как на самом деле были сняты эти фотографии. На фотографии кажется, будто щенок на заднем сидении в ужасе вцепился в машину, пока другой уверенно сидит за рулём и мчится вперёд навстречу приключениям. На самом деле машина никуда не ехала. Фотограф хотел сделать вполне обычный кадр: два щенка должны были смотреть в камеру. Но всё пошло не по плану. Вместо этого оба щенка одновременно ус

Иногда для истории нужен фильм. Иногда — серия из десятков фотографий. А иногда достаточно одного кадра. Именно этой идее посвящён конкурс Exposure One Awards | One Shot Photo Contest — международное соревнование, в котором оценивают не проекты и не серии, а отдельные фотографии, способные удержать внимание зрителя и рассказать историю без единого слова. Каждый год конкурс собирает фотографов со всего мира: профессионалов, любителей, документалистов, портретистов, пейзажистов и авторов, работающих в жанре художественной фотографии. Их объединяет одно желание — показать, насколько много может сказать одна фотография. Сегодня предлагаю взглянуть на работы победителей 2026 года. Это не просто красивые кадры. Это фотографии, которые заставляют остановиться и на несколько секунд задуматься о том, что произошло до нажатия на кнопку и что случится после. Просматривая работы победителей, быстро замечаешь интересную закономерность. Почти ни одна из них не побеждает благодаря исключительно техн

Современная fashion-фотография долгое время строилась вокруг одной идеи: сделать изображение максимально идеальным. Чистый свет, безупречная ретушь, холодная эстетика, визуальная дистанция между зрителем и моделью. Именно поэтому работы британско-нигерийского фотографа Надин Айджевере (Nadine Ijewere) в момент появления начали ощущаться совершенно иначе. Её фотографии не кричат. Не пытаются поразить сложностью света или агрессивной обработкой. Но при этом они мгновенно узнаются. И одна из главных причин — то, как Айджевере работает с цветом. В её кадрах цвет перестаёт быть декоративным элементом. Он становится атмосферой фотографии. Надин Айджевере родилась и выросла в Лондоне в семье мигрантов из Нигерии. Она изучала фотографию в London College of Fashion и довольно быстро начала работать с модными журналами и брендами. Но по-настоящему заметной фигурой в fashion-фотографии она стала не только благодаря стилю, а благодаря взгляду на красоту и репрезентацию людей в кадре. Айджевере был

Очень многие начинающие фотографы пытаются сделать кадр «правильным». Красивый свет. Гармоничная композиция. Эстетичная поза. Приятная обработка. Но проблема в том, что идеально комфортные фотографии очень часто быстро забываются. Зритель смотрит на такой кадр несколько секунд, понимает, что он «красивый», — и идёт дальше. А вот фотографии, в которых есть внутреннее противоречие, напряжение или конфликт, работают иначе. Они задерживают взгляд. Оставляют странное ощущение. Иногда даже вызывают лёгкий дискомфорт — но именно поэтому запоминаются. Очень хорошо это видно в проекте Ричарда Аведона «In Memory of the Late Mr. and Mrs. Comfort» («В память о покойных мистере и миссис Комфорт»). Это одна из самых необычных серий Аведона. И одновременно — очень важный пример того, как конфликт внутри изображения может сделать фотографию по-настоящему выразительной. Серия была создана в 1995 году для The New Yorker и выглядела почти как визуальный спектакль. Критики и коллеги Аведона увидели в ней

Кажется, что фотография Млечного Пути уже давно стала отдельным жанром со своими правилами и визуальными клише. Одинокое дерево, силуэт человека, яркая арка звёзд над горами — подобных кадров за последние годы появилось огромное количество. Именно поэтому особенно интересно смотреть победителей конкурса Milky Way Photographer of the Year 2026. Они хорошо показывают разницу между просто красивой астрофотографией и кадрами, которые действительно запоминаются. Конкурс ежегодно собирает фотографов со всего мира, работающих с ночным небом, а среди участников — как профессиональные астрофотографы, так и авторы, снимающие пейзажную фотографию. Работы публикуются международными платформами и становятся своеобразным срезом того, как сегодня развивается фотография ночного неба. Но самое интересное — победители редко выигрывают только за счёт техники. Когда смотришь подборку победителей, быстро замечаешь одну вещь: лучшие фотографии почти никогда не строятся только вокруг самого Млечного Пути. Гл

Некоторые фотографы становятся узнаваемыми благодаря цвету. Некоторые — благодаря свету или композиции. Работы Ариеля Бобб-Уиллиса (Ariel Bobb-Willis) узнаются иначе: по ощущению странности, пластики и внутреннего напряжения кадра. Ее фотографии одновременно напоминают модную съёмку, современный танец, уличную фотографию и живопись. Люди в кадре изгибаются, падают, прячут лица, складываются в почти абстрактные формы. Пространство кажется простым, но тело внутри него превращается в главный графический элемент изображения. Именно поэтому работы Бобб-Уиллис сегодня так сильно влияют на современную визуальную культуру. Ариель Бобб-Уиллис родилась и вырос в Нью-Йорке. Интересно, что фотография появилась в ее жизни не сразу как профессия. В подростковом возрасте она серьёзно занималась баскетболом, а позже начала изучать визуальное искусство и фотографию. Во многих интервью она рассказывала, что долгое время чувствовала тревожность и внутреннюю неуверенность. И именно фотография стала способ

«Я вижу жизнь через маленькую линзу», — говорит вьетнамский фотограф Фам Ань Ту (Pham Anh Tu), называя себя мечтателем. И, пожалуй, это одна из самых точных формулировок его фотографии. Работы Ань Ту сложно спутать с чьими-то ещё. Они существуют где-то между реальностью и внутренними состояниями человека. Между памятью, сном, символом и попыткой понять самого себя. Его фотографии напоминают не столько документальные изображения, сколько визуальные стихи — с метафорами, туманом, одиночеством, светом и ощущением хрупкой красоты мира. Но особенно интересно то, каким был путь фотографа к этой эстетике. Фам Ань Ту родился и вырос во Вьетнаме. Он учился в Университете окружающей среды, затем долгое время работал на почте и жил вполне стабильной жизнью. Фотография была увлечением, способом отвлечься и немного выйти за пределы привычной рутины. Но со временем хобби стало чем-то большим. Ради фотографии он ушёл с постоянной работы, несмотря на непонимание со стороны близких и друзей. Решение о

В фотографии тень почти всегда воспринимается как что-то второстепенное. Многие начинающие фотографы стараются избавиться от неё: открыть тени в обработке, подсветить лицо, сделать изображение «чище» и светлее. Но чем дольше смотришь работы сильных авторов, тем очевиднее становится одна вещь: именно тень часто создаёт атмосферу, глубину и эмоциональное напряжение кадра. Именно этому была посвящена тема конкурса AAP Magazine #56 — «Shadows». Международный конкурс собрал фотографов со всего мира, работающих в самых разных жанрах: от стрит-фотографии до минимализма, архитектуры и портрета. Но объединяет победителей одно — понимание того, что тень в кадре может быть не дополнением, а полноценным визуальным языком. Во многих работах тень буквально формирует композицию. Она скрывает лишнее, направляет взгляд, превращает обычную сцену в почти кинематографический образ. Посмотрите, например, на этот кадр-победитель. Высотки почти растворяются в темноте, а главным объектом становится извилистая