Сквозь искусство

Приветствую всех любителей прекрасного! Сегодня — человек, чей лес знает вся страна, даже те, кто ни разу не был в музее. Шишкин попал на конфетный фантик, на почтовую марку, на клеёнку, на ковёр и на обложку школьного дневника. Его репродукции висели в каждой второй советской квартире. И при этом почти никто не знает, что на самой знаменитой его картине кое-что написано не его рукой. А подпись того, кто это написал, с холста убрали. Скипидаром. Идём с десятого места к первому. Порядок — наш, редакционный, и спорить о нём можно и нужно: для того и пишем. Кстати, «Утро в сосновом лесу» уже попадало в нашу десятку самых известных картин передвижников — там же есть и история с Третьяковым. Ну что, вы готовы? Тогда погнали! Третьяковская галерея. Две фигуры под зонтом уходят вглубь мокрой аллеи. Это редкий случай, когда у Шишкина в кадре есть люди — обычно его лес пуст, и пустота эта принципиальная. Но интереснее другое: посмотрите, как написана земля. Лужи не блестят целиком — они блестят

Приветствую всех любителей искусства! Сегодня я подготовил для вас нечто прекрасное, познавательное и местами очень вкусное. Давайте поговорим о том, кто из художников и когда начал делать крутые дизайны для этикеток, а заодно убедимся с вами в том, что хорошему художнику ничто коммерческое не чуждо. Ну что, вы готовы? Тогда погнали! Когда мы говорим о чем-то нам знакомом, чаще всего история этого предмета началась где-то в Античности. И этикетки - не исключение. Но первые этикетки носили сугубо прикладное значение. Их изготавливали из кожи или пергамента и размещали на амфорах и других сосудах с алкогольными напитками. Информацию подавали сухо — указывали производителя и вид напитка. Близкий к современному виду облик этикетка получила в Европе, начиная с Х века, когда туда стала поставляться бумага. Вначале она считалась предметом роскоши, но постепенно начала входить в обиход и использоваться для упаковки. Всё изменила литография. В 1798 году Алоиз Зенефельдер придумал печатать с пло

Приветствую всех любителей интриг и расследований! Сегодня разбираем картину, которой прямо сейчас нет в зале Эрмитажа, но многие приходили сюда только ради неё. Угадали о ком речь? «Флора» Рембрандта уехала из 254-го зала Эрмитажа в декабре 2025 года — в Лабораторию научной реставрации станковой живописи. Вернётся к концу 2026-го. За эти месяцы с ней случилось то, ради чего реставрации и затеваются: из-под лака проступили вещи, которых нет ни на одной репродукции. Родинка на левой щеке. Холодный серебристый свет на месте привычного тёплого золота. И довольно неудобный вопрос к этикетке: та ли женщина здесь написана, о которой думали более трехсот лет. Разбираемся по порядку: кто такая Флора, зачем голландцы XVII века наряжались пастухами, как картина устроена технически, что показал рентген и почему Флор у Рембрандта целых четыре. Флора у римлян был своеобразной богиней и отвечала за цветение и молодость. Не за урожай и не за плодородие вообще, а именно за ту стадию, когда растение

Приветствую всех любителей прекрасного и тех, кто любит считать чужие деньги! Итоги 2025 года по русскому искусству подведены, отчёты опубликованы, и картина получилась куда интереснее обычного списка с ценниками. Год вышел парадоксальный. Рекорды — были. Рынок при этом обвалился почти вдвое. А самая дорогая «русская» вещь года вообще не живопись. Ну что, вы готовы? Тогда погнали! А если хочется сравнения — вот итоги аукционов 2023 года, когда рынок выглядел совсем иначе. Sotheby's, первое полугодие 2025-го. Эстимейт был 30 тысяч фунтов. Ушла почти в шесть раз дороже. Виноградов — фигура, которую широкая публика почти не знает, а рынок знает отлично: ученик Поленова, участник Союза русских художников, эмигрант, умер в Риге в 1938 году. Именно такие имена — второй эшелон по известности и первый по качеству — сейчас растут быстрее всего. Кстати, вот на что тут стоит обратить внимание. Превышение эстимейта в шесть раз — это не про деньги, а про то, что оценщики не поспевают за спросом. Т

Приветствую всех любителей прекрасного! Сегодня берём то, что каждый из нас видел ещё в школьном учебнике, и смотрим на это внимательно. Десять картин, которые в народном сознании и есть «передвижники»: медведи в сосновом лесу, боярыня в санях, бурлаки, богатыри. А заодно проверим одну вещь, которая меня самого удивила, когда я полез в музейные карточки. Три картины из этой десятки на передвижных выставках не показывались вообще. Ни разу. И это не мелкая придирка — это меняет представление о том, как работало Товарищество. Ну что, вы готовы? Тогда погнали! А если захочется сравнить масштаб, у меня есть отдельный ТОП 10 самых известных картин в мире. Товарищество передвижных художественных выставок учредили в 1870 году. Идея была простая и по тем временам дерзкая: не ждать милости Академии, а самим устраивать выставки и самим возить их по стране — Петербург, Москва, Киев, Харьков, Одесса. Отсюда и название. Первая выставка открылась 28 ноября 1871 года в Петербурге. Именно на ней висела

Всем привет! В прошлый раз мы разбирали Константина Горбатова, и я обещал, что следующим будет его учитель. Держу слово. Сегодня — человек, который двадцать лет фактически руководил Товариществом передвижников, написал одну из самых известных русских картин про небо и после смерти почти исчез из школьных учебников. И так, наш герой сегодня — Николай Никанорович Дубовской. Родился он 5 (17) декабря 1859 года в Новочеркасске, в семье войскового старшины Войска Донского. То есть по рождению — потомственный казак. Отец видел сына военным и отдал его во Владимирскую Киевскую военную гимназию, где тот проучился с 1870 по 1877 год. История там вышла редкая: рисовал мальчик так, что директор гимназии сам написал отцу — отпустите, пусть учится живописи. В 1877 году Дубовской поступил в Императорскую Академию художеств, в пейзажную мастерскую профессора Михаила Константиновича Клодта. За четыре года — четыре малые серебряные медали. А в 1881 году он из Академии ушёл. Отказался писать конкурсную

Всем привет! Продолжаем разбирать наших художников, про которых в сети до обидного мало толковых текстов. Сегодня — человек, который всю жизнь писал русскую провинцию, солнце на воде и купола над крышами, а умер в разбомблённом Берлине в мае 1945-го. Встречайте: Константин Иванович Горбатов. Родился он 17 мая 1876 года в Ставрополе Самарской губернии — сегодня это Тольятти. Рисовать начал рано, и в начале 1890-х занимался в Самаре у Фёдора Ефимовича Бурова и Афанасия Егорова. Дальше путь получился извилистым: в 1895 году — Центральное училище технического рисования барона Штиглица, в 1896-м — Рижский политехникум, попутно студия Джона Кларка. Сначала было прикладное и техническое образование, и только потом живопись как профессия. В Императорскую Академию художеств он попал уже взрослым человеком и проучился там шесть лет, с 1905 по 1911 год, у Александра Александровича Киселёва и Николая Никаноровича Дубовского. Оба — передвижники, и это важно: Горбатов пришёл в живопись через прямую

Приветствую всех любителей прекрасного и того, что прекрасным назвать трудно! Это третья, финальная часть моей маленькой серии про художников, заглядывавших туда, куда лучше не смотреть. Мы уже побывали в голове у Босха и на площадях Брейгеля, а сегодня перенесёмся на двести пятьдесят лет вперёд и посмотрим на страх, ужас и много черного юмора. Одно предупреждение перед началом: эти четырнадцать вещей писались без заказчика и без зрителя, а значит, в них нет ни одного жеста «на публику». Смотреть их надо иначе, чем парадную живопись, — и как раз этой разнице посвящён мой курс «Насмотренность для всех!». Ну что, вы готовы? Тогда погнали! В 1819 году семидесятитрёхлетний Франсиско Гойя покупает загородный дом под Мадридом, у реки Мансанарес. Дом уже носил прозвище Кинта дель Сордо — «усадьба глухого»: по преданию, прежний владелец тоже плохо слышал. Совпадение почти литературное, потому что сам Гойя оглох за двадцать шесть лет до этого, после тяжёлой болезни в 1793 году, и последние деся

Приветствую всех любителей прекрасного, а сегодня особенно — любителей прекрасно одеться! На прошлой неделе не стало Яёи Кусамы, и в некрологах почти везде рядом с её именем стоял логотип Louis Vuitton. Редкий случай, когда художника провожают вместе с брендом. Предлагаю разобраться, как так вышло и что было до этого. История начинается не в 2012 году с сумками, а в 1968-м, когда Кусама сама открыла модную компанию и шила платья с прорезями. Ну что, вы готовы посмотреть на горошек с изнанки? Тогда погнали! Начать стоит с «Flower Overcoat» 1964 года, оно живёт в собрании Hirshhorn (инв. 98.38, куплено музеем в 1998 году). По музейной карточке материал такой: суконное пальто, пластиковые цветы, металлическая краска и деревянная вешалка. Тут виден её метод в чистом виде. Кусама берёт готовую вещь, обрастает её накоплением одинаковых элементов и сверху кроет всё одной краской. Металлическая краска работает как уравнитель: она гасит разницу между сукном, пластиком и деревом, и вещь переста

Приветствую всех любителей прекрасного и не очень объяснимого! Это вторая статья из моей маленькой серии про художников, которые заглядывали туда, куда нормальные люди стараются не смотреть. В первой части мы спускались в голову к Босху, а сегодня у нас человек, с которым у меня отношения честнее и сложнее. Признаюсь сразу: большой любви, как с Еруном, у нас с Брейгелем не случилось. Зато случилось восхищение. Потому что то, что этот человек вытворял со своими сюжетами, для середины XVI века было просто немыслимо. Он гений своего поколения, и сейчас я попробую объяснить почему. И сразу совет, как его смотреть: Брейгеля бесполезно охватывать одним взглядом. Он собран из десятков мелких сцен, и каждая читается отдельно — пропустите этот шаг, и картина останется просто пёстрой толпой. Привычку разглядывать по частям я собрал в курс «Насмотренность для всех!». Ну что, вы готовы? Тогда погнали! Прежде чем начнём — посмотрите на размеры картин в этой подборке. 117 × 162. 117 × 162. 117 × 1